OTRA NOCHE CON RESEÑAS

Vamos con las reseñas de otros dos libritos que pude leer entre ayer y hoy, aprovechando largos viajes en bondi. Entre 2010 y 2012 salieron en Francia los tres álbumes de Showman Killer, la saga creada por Alejandro Jodorowsky y Nicolás Fructus, que en 2017 ECC publicó en un único tomo, en formato "jibarizado", como le dicen los españoles a las ediciones que aparecen en un tamaño menor al original. La verdad que el tamaño a veces importa: acá las letras se ven muy chiquitas y el dibujo hiper-impactante de Fructus pierde un poco en la reducción. El despliegue visual del autor justifica por sí solo una edición más grande. Fructus tiene un trazo muy detallado, muy rico en matices, y -como buen francés- se copa narrando "de lejos", en tomas panorámicas en las que la viñeta se llena de paisajes, o de edificios inmensos, repletos de pequeñas líneas, elementos casi microscópicos, y efectos de iluminación alucinantes, que seguramente se verían mejor en páginas más grandes. Pero en este formato también se luce, porque estamos hablando de un artista cuyo talento traspasa las confines de la página. Showman Killer tiene tanto que ver con La Casta de los Metabarones, que es casi imposible no imaginarse esta saga dibujada por Juan Giménez, o por Moebius. Y sin embargo, Fructus la hace 100% suya, le pone su impronta, su técnica personalísima de color, su manejo personal de las expresiones faciales y corporales (el único rubro en el que pierde fácil contra Giménez y Moebius) y un hambre de gloria, unas ganas de trascender, de comerse cruda a la historia, que te deja idiota, pidiendo más. Fructus es como un Vicente Segrelles más moderno, más atrevido, más extremo. Un virtuoso sin más límites que el capricho de los editores franceses de que no haya páginas con menos de cinco viñetas y que unas cuantas tengan más de diez. Acá vez a Fructus "tirar" en un cuadrito lo que cualquier dibujante del mainstream yanki te muestra en una doble splash page. Visualmente, Showman Killer es un despelote cósmico, tremendamente disfrutable para cualquier fan del dibujo. El guion de Jodorowsky no se queda atrás. Después de haber creado al guerrero definitivo, nos trae al mercenario definitivo. Una especie de Lobo pero con los poderes del Martian Manhunter recontra papeados, ponele. Un tipo insensible, frío, implacable, inescrupuloso... hasta un punto. Como en casi todas las historias protagonizadas por mercenarios, algo va a pasar que le va a aflojar el corazón y Showman Killer va a terminar por jugarse el pellejo en una cruzada que considera justa, más allá del rédito económico que puede obtener (o no). Lo acompañan un gran elenco de secundarios, en una aventura extrema que tiene por lo menos dos giros argumentales en el tercer tramo que nunca me vi venir. Los diálogos conservan la chispa que vimos y disfrutamos en La Casta de los Metabarones, con términos como "paleoputas", "onironautas", "omnimonarca" o "suprahierofante", que le dan una pátina muy original a conceptos que, muy bien adornados con un contexto de ciencia-ficción, podrían aparecer en una saga de magia, fantasía e intriga palaciega ambientada en algún imperio ancestral de los que suelen visitar Mazzitelli y Alcatena. Podría estar días enteros tirando similitudes y diferencias entre esta obra de Jodorowsky y los clásicos de Eduardo y Quique, pero para sintetizar, creo que Mazzitelli se copa más con lo poético, y por eso se juega más a los bloques de texto, y al chileno le gusta más lo prosaico, se emociona con la exploración del costado más truculento, más perverso, más macabro de lo que tiene para contarnos, y por eso escribe más pensando en la acción y en cómo la va a retratar el dibujante. Asi es como este Showman Killer, sin ser el comic más violento de Jodorowsky, parece una de Marshal Law con naves espaciales comparado con cualquier saga de Mazzitelli y Alcatena. Banco fuerte a esta breve serie. Y me parece muy bien que no la hayan continuado, porque el final del Vol.3 es un final posta, muy redondo y muy satisfactorio. Y porque Jodo ya está muy viejito y por ahí si la sigue la caga, como a la saga del Metabarón. Aceptá los laburos más abyectos, con tal de que paguen bien, y con esa guita comprate Showman Killer, que la rompe toda.

Me voy a EEUU, donde en 2020 sale una serie de Dr. Strange que dura apenas seis números: Surgeon Supreme, con guiones de Mark Waid y (esto hay que destacarlo) un solo dibujante en las seis entregas: el más que correcto (y por momentos muy grosso) Kev Walker. Salvo por alguna que otra tirada a chanta en alguna secuencia en la que los fondos brillan por su ausencia, el británico ofrece un trabajo muy sólido, con una gran variedad de enfoques y angulaciones, formas originales de mostrar los conjuros del Tordo y personajes muy expresivos, sin caer en la caricatura. Lo ayuda muchísimo la gran labor del colorista, el amigo argento Java Tartaglia. Pero lo que más me sorprendió fue el enfoque de Waid en los guiones. Debo confesar que compré el librito por accidente, mi intención era empezar a coleccionar la etapa de Dr. Strange escrita por Jason Aaron. Y bueno, en el fragor del combate, en una convención de EEUU donde levanté ofertas a lo pavote, cayó este tomo en vez del que yo quería. Posta, no me arrepiento de nada. Acá está la efímera Surgeon Supreme completa, y es una pena que no siguiera porque Waid, además de las aventuras y las luchas con villanos, ofrece una mirada muy interesante al costado olvidado de Stephen Strange: su carrera como eximio cirujano. Por esa rendija, el guionista mete reflexiones acerca de cómo funciona el sistema de salud, de cómo la burocracia se morfó a la medicina, y aprovecha para rodear al Tordo de nuevos y atractivos personajes secundarios. Por si eso fuera poco, se acuerda de que otro Doctor místico de Marvel, el Dr. Druid, alguna vez fue psiquiatra y, al mismo tiempo que Stephen, decide reincorporarse al ámbito médico. Si conocés un toque la historia de Anthony "Druid" Ludgate, vas a estar todo el tiempo al filo del asiento, atento a ver si le clava o no la puñalada trapera al Hechicero Supremo, y si no, vas a disfrutar a lo loco de la interacción entre dos veteranos muy curtidos, muy capos en la magia, que juegan a ser médicos y a ver quién es el más arrogante y el más poronga. Excepto por la elección de los villanos, Waid se ajusta perfectamente al canon de Dr. Strange y lo enriquece con nuevos personajes, nuevos conflictos y un ámbito (el del hospital) que había aparecido apenas en un par de viñetas, allá por 1963, cuando Stan Lee y Steve Ditko narraron el origen del personaje. En estos breves seis números, Waid y Walker ofrecieron una mirada fresca, actual, dinámica, muy divertida y muy piola del Doctor, como para dejar en claro que es un personaje cuyas posibilidades narrativas están muy lejos de agotarse. Ahora sí, ni bien pueda, trato de empezar a coleccionar la etapa de Aaron... Por ahora, nada más. Creo que fui al carajo con la extensión de los textos, no? Bueno, ni bien pueda, vuelvo a postear. Seguramente será el mes que viene. Gracias y hasta entonces.

DR. STRANGE AND THE MULTIVERSE OF MADNESS

Esta película es la némesis perfecta de los que intentamos reseñar sagas cinematográficas sin spoilear. De verdad, esta vez no se puede decir una sola palabra acerca del argumento sin arruinarle buena parte de las sorpresas a quienes todavía no la vieron. No se puede ni siquiera mencionar contra quién pelean "los buenos" a lo largo de casi todo el largometraje. Si viste algún afiche por la calle, sabés que están el Dr. Strange (que viene de su aparición en Spider-Man: No Way Home) y Scarlet Witch (que viene de su propia serie, Wandavision). Y obviamente está también Wong, a quien vimos por última vez en la secuencia final de la película de Shang-Chi. Aparecen muchos más personajes, algunos con roles muy destacados, pero no se pueden mencionar. Incluso aparece uno que no se puede mencionar ni siquiera en la propia película, porque Marvel no tiene los derechos sobre su nombre. Así que no lo nombran, y si hay gente que no se da cuenta quién es ese monstruo con tentáculos y un ojo gigante, tampoco cambia mucho el desarrollo de la trama. Probablemente ese sea el punto débil de la película: le dedica muchos minutos a secuencias que no hacen avanzar la trama. La aventura en sí no es perfecta, ni mucho menos. Pero esto se compensa con el punto fuerte de la película: el espesor de los dilemas morales. Sabemos que el uso de los poderes mágicos requiere, además de responsabilidad, pagar un costo. En un punto, si te vas de mambo con la magia, algo vas a tener que pagar. Y de eso se trata The Multiverse of Madness. De hasta dónde está dispuesto a llegar cada uno para lograr lo que quiere, qué precio acepta pagar, cuándo y cómo lo paga, cómo se banca haber perdido aquello que tuvo que perder y qué pasa cuando alguien siente que ya no le queda nada por perder. En ese combate interior contra el dolor de la pérdida y la tentación de ir más allá de los límites, la película encuentra sustento y conjura la otra magia, la de tener al espectador agarrado a la butaca, tenso como en una definición por penales, preso del asombro que genera ver a los personajes de siempre hacer cosas que no nos imaginamos nunca. A pesar de las infinitas criaturas mágicas, almas condenadas, muertos resucitados, portales entre universos y héroes, heroínas y villanos de inconmensurable poder, probablemente este sea uno de los flims de Marvel más humanos, más centrados en las emociones de los personajes. Y la escena más fuerte, más conmovedora, la que define todo, lo tiene a Dr. Strange como un mero espectador. Sí, llega un momento en que la trama convierte al Tordo en un personaje secundario de su propia película. Y te juro que es un momento que no te vas a olvidar nunca jamás. Tampoco te vas a olvidar nunca jamás que acá finalmente aparecen personajes que siempre quisiste ver (o volver a ver), pero la verdad es que toda esa secuencia es larga al pedo, no contribuye mucho al desarrollo del argumento, y apenas sirve para subrayar el tremendo poder de la amenaza a la que tendrán que vencer los buenos. Aún así, no se puede decir que el tema de los universos alternativos esté mal manejado. El guion lo introduce de manera clara, sin paradojas bizarras ni contradicciones de esas que generan decenas de videos en YouTube donde algún capo de las realidades espacio-temporales nos explica lo que en la película no se entiende. Pero no es lo más importante. La película se apoya más (como ya dije) en los dilemas humanos, y obviamente en la exploración de todos los recursos fantásticos (a veces terroríficos) que le habilita el tema de la magia y la brujería a niveles inenarrables. ¿Qué onda Sam Raimi, en su regreso al cine de superhéroes? ¿Cuánto de la impronta del legendario director se ve en estos 126 minutos, más allá del excelente gag protagonizado por Bruce Campbell, su actor fetiche?. La gente que sabe de cine seguro puede responder esa pregunta mejor que yo, pero me parece que sí, que es una película fiel al espíritu de Raimi. El tipo sabe cuándo tiene que aflojar con los chistes para que el dramatismo de las escenas no se desplome por su propio peso, y eso en este film es fundamental, por lo mucho que está en juego todo el tiempo. Los actores captan esa sintonía, por eso acá tenemos una actuación de Benedict Cumberbatch muy por encima de lo que vimos en las películas anteriores, una Elizabeth Olsen magnífica, un Chiwetel Ejiofor también por encima de lo visto en la peli anterior de Dr. Strange, y hasta se luce Rachel McAdams, quien no desaprovecha el rol destacado que le otorga el guion a (una) Christine Palmer. Por ahí desentona un poquito Xochiti Gómez, pero bueno, es una actriz muy joven a la que le sobra tiempo para mejorar. Los rubros técnicos están muy, muy bien, con unos efectos especiales impresionantes y un despliegue visual de ilimitada imaginación, al nivel de los mejores historietistas que pasaron por los comics del Tordo. Nada más. Vos ya sabés que para entender todo lo que pasa hay que haber visto todas las películas y series anteriores integradas a este universo narrativo, así que si te falta alguna, ponete al día antes de sumergirte en este multiverso de la locura. Y si vas al cine, quedate hasta el final a ver las escenas post-créditos. Que el Vishanti te proteja.

ESSENTIAL DOCTOR STRANGE Vol.3

Este tomo recopila los primeros 29 números de la serie de Doctor Strange que arranca a mediados de los ´70 y llega (muy lento, porque siempre fue bimestral) hasta el año ´87 u ´88. Es material que tenía en revistitas y había leído probablemente a fines de los ´90, pero entre que soy fan de los Essentials y que algunos de esos números levantaron mucho su cotización, decidí canjearlos por otra cosa y pasarme al broli en blanco y negro. En una de esas, en algún momento hago lo mismo con las revistitas que vienen en el cuarto Essential, que es el último que llegó a publicar Marvel antes de discontinuar ese glorioso formato. No sé si disfruté mucho más que la primera vez al releer todo este material. La primera vez era todo muy nuevo y muy flashero, porque yo no me imaginaba que Stephen Strange se podía convertir en un personaje con chapa cósmica, lo veía más para vencer a hechiceros malos, u otros villanos místicos. Esta vez, que ya sabía dónde me estaba metiendo, por ahí me pareció que a esta etapa le falta eso: más conflictos grossos contra villanos. El chamuyo metafísico llevado a niveles cósmicos está bueno al principio, pero después cansa un poco. Lo mejor del tomo son los primeros 18 números, los que escribe Steve Englehart y están organizados como tres cuasi-novelas de seis episodios. Como ahora, que con cualquier idea chota te hacen seis números, pero acá en cada número hay un montón de ideas, y en el sexto como que todo cierra mejor. El tercer arco es el más desprolijo, porque en el medio se mezcla el crossover con Tomb of Dracula, que está muy bien orquestado (por Marv Wolfman, que era guionista de ToD y coordinador de la revista del Tordo), pero básicamente Englehart cuenta tres historias extensas, repletas de peligros a todo o nada para el facultativo, Clea y Wong. Después Wolfman empieza a escribir Doctor Strange y se decanta por aventuras más breves, de dos episodios, ninguna brillante y una (la del Bicentenario de la independencia de EEUU) francamente chota. Jim Starlin aporta una trilogía limadísima, con volteretas impredecibles para el Ancient One y más entidades cósmicas de las humanamente digeribles, y en los tres últimos episodios del tomo lo tenemos a un primerizo Roger Stern que primero resuelve lo que Starlin deja medio colgado y finalmente aporta un unitario de escasísima trascendencia. Faltan bastantes números para que esta serie recupere la jerarquía de sus inicios, y eso sucede ya entrado el cuarto Essential. En cuanto a los dibujantes, acá nos damos todos los lujos. Primero, el incomparable Frank Brunner, desaforado, ido al hiper-carajo, con unas tintas magníficas de Dick Giordano. Esto en blanco y negro es una orgía de emociones, magia en estado puro. Brunner dibuja apenas seis números (y muchas portadas) y después vuelve un ídolo, un dibujante fundamental para esta serie: el maestro Gene Colan, probablemente el dibujante de esta época que más se beneficia del paso de color a blanco y negro. Y encima con otro entintador de lujo, el imbatible Tom Palmer. Cuando se va Colan tenemos un numerito bien dibujado por Alfredo Alcalá, un annual a cargo de un primerizo P. Craig Russell (muy bueno, pero se superará ampliamente a sí mismo cuando haga una remake de esa historia en los ´90), tres números en los que Tom Sutton deja la vida y las tintas de Ernie Chan lo levantan como si tuviera la capa de levitación del Tordo, y para todo lo demás tenemos al magistral Rudy Nebres. A veces como dibujante y entintador, a veces solo como entintador de Jim Starlin y en un episodio hasta lo ponen a entintar al fiambre de Al Milgrom. En todos los casos, se impone la línea elegante, generosa, frondosa del sublime artista filipino. Y cuando lo dejan ser él quien plasma el relato en la página, Nebres pela un despliegue visual que no tiene nada que envidiarle a las genialidades que nos ofrecieran Brunner y Colan. Con ese nivel de dibujantes (que, como siempre digo, se disfrutan mucho más sin los colores espantosos de los comic books de los ´70), las historias podrían ser un aborto talidómico y aún así me animaría a recomendar el libro. Pero encima la mayoría de las historias son de dignas para arriba y hay muchos momentos que los fans de Strange atesoramos por siempre. Te tiene que gustar la sanata mística, mezclada con la sanata cósmica. Y bancarte a un protagonista frío, distante, que no hace el menor esfuerzo para que los lectores lo quieran, más allá del de salvar una y otra vez al universo entero, o a la realidad misma. Si eso te cierra, este trip a los ´70 te va a resultar cautivante y memorable. Y si no, siempre está la etapa clásica de Stan Lee y Steve Ditko, o la ochentosa de Roger Stern, que se ganaron en buena ley el status de hitos en la rica historia comiquera de Marvel. Gracias por la magia y que el Vishanti esté con ustedes,

DOCTOR STRANGE

Lo primero que tengo para decir es que cada día es más grotesca mi desconexión con el mundo del cine. Esta vez fui a ver una peli dirigida por alguien a quien nunca había oído nombrar (Scott Derrickson) y protagonizada por un elenco de actores de los cuales no conocía a NINGUNO: no te puedo nombrar ni una peli en la que haya visto actuar a NINGUNO de los actores y actrices de Doctor Strange. Bochornoso lo mío, o no… pero bueno, por lo menos lo blanqueo.
En segundo lugar, me imagino a los guionistas (el propio Derrickson, John Spaihts y Robert Cargill) leyendo los comics originales de Stan Lee y Steve Ditko y diciendo “esto es una mierda, esto no funciona, esto es ridículo”… Lo cierto es que de aquellos primeros comics sesentosos (y de las versiones posteriores del origen y los inicios del Doc), el film toma nada más que lo hiper-básico, lo absolutamente indispensable. A priori, si (como yo) sos fan incondicional de las historietas clásicas del personaje, te puede resultar ennervante. Pero estos turros se las ingenian para dar vuelta todo y que aún así funcione. Mirá lo que hicieron con los conceptos de Lee y Ditko:
Stephen Strange: físicamente está idéntico, mantiene buena parte de la personalidad original y el arco dramático que transita se aleja de la versión original, pero no mucho.
The Ancient One: físicamente no se parece en nada, el concepto no tiene nada que ver y el rol en la trama, mucho menos.
Wong: físicamente no se parece en nada, el concepto está bastante cambiado y el rol en la trama, mucho más.
Mordo: físicamente no se parece en nada, el concepto difiere bastante y el rol en la trama, mucho más, aunque en una segunda peli podría ir para donde nosotros queremos.
Kaecilius: físicamente no se parece en nada, el concepto está totalmente cambiado y el rol en la trama, mucho más.
Dormammu: físicamente está muy logrado, el concepto es respetuoso y el rol en la trama (si bien es pequeño) está muy bien.
El ojo de Agamotto: está completamente reinterpretado.
La capa de Levitación: también, le dan un giro increíble.
El Sanctum Sactorum: visualmente magnífico, conceptualmente muy apartado de la versión del comic.
Y así todo. Evidentemente, los guionistas salieron en busca de una versión 100% novedosa, pensada para un público que jamás en la vida leyó una historieta del Tordo, y encontró algo que funciona muy bien, aunque se parezca muy poco a lo que conocíamos los comiqueros.
¿Qué le sobra a la peli? La trama cuasi-romántica (que no está mal, pero no aporta demasiado) y algunos chistes. Hay muchos chistes, y uno no espera ir a cagarse de risa cuando va a ver una peli del Doctor Strange. ¿Y cuáles son los hallazgos más notables? La excelente integración (desde muy temprano) con el resto del universo fílmico de Marvel y la idea de no terminar de despegar nunca al Doc del mundo de la medicina. En los comics, a las 10 páginas de la primera aparición Strange ya se olvidó por completo de que alguna vez fue un cirujano de la hostia, y creo que el primero en recordarlo es Brian K. Vaughan, allá por 2007. Acá ni bien puede, la trama se las ingenia para reactivar esa faceta del personaje, y está muy bien.
La actuación de Benedict Cumberbatch en el rol protagónico es impecable, más allá de los chistes. Lo único que no logra es que Strange nos caiga mal, que es algo que sí lograba Stan Lee en aquel origen donde nos presentaba al Tordo como un tipo elitista, egoísta, soberbio, al que el prójimo le chupaba un huevo. El Strange de Cumberbatch no parece tan garca, más allá de lo mal que trata a la minita a la que supuestamente ama (bien interpretada por Rachel McAdams). El resto del elenco no desentona aunque claro, sus roles son tan distintos a lo que uno recuerda de los comics, que no hay un parámetro firme para la comparación.
Como siempre, no estamos hablando de cátedras del Séptimo Arte, sino de cine industrial muy bien hecho, con un gran despliegue visual, mucha acción y una atención muy especial puesta en el ritmo, de modo que los 115 minutos que dura se te pasan volando. Además, esta vez tenemos conceptos muy locos para una peli de superhéroes, diálogos excelentes, una trama impredecible con giros asombrosos y mucho ingenio a la hora de recrear casi desde cero la mitología de un personaje eternamente segundón, que hoy tiene –precisamente gracias a la exposición que le da el largometraje- la chance de jugar en Primera.
También como siempre, quedate hasta después del final, que hay dos escenas extra: una es un prólogo a Thor 3 y la otra, a una segunda película de Doctor Strange. Y pasala bien, que es lo importante.

23/ 10: DOCTOR STRANGE AND DOCTOR DOOM: TRIUMPH AND TORMENT

Ah, qué hermosas épocas las de las novelas gráficas de Marvel! A veces te tocaban adefesios infumables y otras veces, sin siquiera salir de la temática superheroica, los mismos autores que la remaban mes a mes en las series regulares se zarpaban para crear historias fuertes, redondas, a veces muy importantes para el desarrollo de algún personaje destacado del Universo Marvel.
En 1989, se juntaron dos bestias: Roger Stern (uno de los dos o tres guionistas clave para entender la Marvel de los ´80) y Mike Mignola, ese dibujante raro que había desaparecido de las revistitas mensuales de Marvel en el ´87 y la había roto en DC en el ´88 (con la mini del Phantom Stranger y Cosmic Odyssey). Y para entintar y colorear a Mignola se sumó un artista más raro todavía, Mark Badger, a quien ya vimos incursionar en este formato, en la reseña del 12/06/11. El elenco protagónico de estas 78 inolvidables páginas lo componen los tres pichis a los que vemos en la portada: el Dr. Strange (a quien Stern guió a lo largo de muchas sagas gloriosas en su propia revista), el Dr. Doom y el querido Mephisto, chabón copado si los hay.
La historia tarda un poco en arrancar. Las primeras 24 páginas están buenas, son muy divertidas, y presentan a un personaje de bastante peso en la trama. Sin embargo, en el contexto general de la novela, son un prólogo en esteroides. Todo lo que cuenta Stern en ese tramo es la previa, la excusa para que, una vez que nos tire la consigna, esta nos resulte atractiva y no una fumanchereada traída de los pelos. La gesta propiamente dicha, lo que Strange y Doom tendrán que lograr para que la aventura llegue a buen puerto, se nos plantea recién en la página 26 y se empieza a desarrollar recién en la 40. En el medio, un magistral repaso por el origen del Dr. Doom, más un giro brillante en la recapitulación de la historia de su madre (a la que Stern rescata de un lejano Fantastic Four Annual 2), más la explicación de cuál va a ser el rol de Mephisto en la trama. Y por si faltara algo, una bajadita de línea sobre lo bien que vive la gente en Latveria bajo el supuesto yugo del supuesto dictador.
Una vez que arranca la aventura, no para hasta que se termina la novela. El epílogo ocupa menos de tres páginas y todo lo demás es acción al palo, luchas y conjuros al límite, excelentes diálogos, un flashback traumático que le permite a Stern revisitar brevemente el origen del Tordo Strange y lo más grosso: la runfla final con Mephisto, ese poker a todo o nada entre fulleros místicos, con varias almas en juego, que el guionista resuelve de un modo impredecible y genial, y que además sirve para dejar en claro que, si bien todo lo realmente importante que pasa en la novela le pasa a Doom, esta no tenía sentido sin Strange y sin Mephisto. La escena del final, en la que Doom, en vez de blanquear por qué hizo lo que hizo, elige el silencio y la reclusión, es impactante, emotiva y –por si faltara algo- te deja clarísimo por qué la novela se llama “Triunfo y Tormento”.
Por el lado del dibujo, tenemos al Mignola ochentoso, ese de línea más clara, de anatomía más kirbyana, todavía lejos de su mejor nivel (que llegaría unos pocos años después, en el ´92-´93) y más lejos aún de su actual búsqueda de la síntesis, de ese grafismo más caligráfico, más para el lado del Hugo Pratt de los últimos años, que le ha espantado a más de un fan. Acá, el ancho de espadas de Mignola es la narrativa. El creador de Hellboy deja la vida en el armado de cada secuencia y cuando el guión le pide muchas viñetas, aprovecha las posibilidades del formato más grande para lucirse jugando al álbum europeo. Después, en todo lo demás, se nota mucho la mano de Badger: el acabado, los detalles, la paleta de colores, las texturas, los climas que logra en los flashbacks, el estallido cromático de las escenas en el Infierno, hasta algunas expresiones de los rostros, revelan más la impronta de Badger que la de Mignola. Pero me gusta el combo, eh? Tiene esa cosa visceral, jodida, que no tenía Mignola cuando lo entintaba P. Craig Russell, por ejemplo.
Si sos fan de Roger Stern, de Mike Mignola o de alguno de los dos facultativos, no dudes un segundo a la hora de comprarte esta paponga clásica y moderna, que se reeditó hace poquito, después de muchos años de haber sido un Santo Grial. Si está cara, rosqueá con Mephisto y pagala con el alma, en 24 cuotas sin interés.

11/ 04: DOCTOR STRANGE: THE OATH

Volvemos a encontrarnos con Brian K. Vaughan, que una vez más demuestra por qué es uno de los guionistas más notables que peló el mainstream americano en la última década. Acá le toca remar en un océano de polenta: más allá de la infinita chapa que le da el hecho de haber sido creado por Stan Lee y Steve Ditko, el Doctor Strange está a años luz de convocar a hordas de fans y está bastante claro que darle una serie regular es más suicida que ir a una marcha de un partido de izquierda disfrazado de Martínez de Hoz. Pero, una miniserie cada tanto no se le niega a nadie, por más segundón que sea, y así es como en 2007 salió The Oath.
El principal logro del guión debe ser el recupero de la tradición médica de Stephen Strange. Ese aspecto del personaje, someramente presentado en su origen, fue rápidamente dejado de lado por los distintos guionistas y muy rara vez se volvió a ahondar en su pasado como cirujano. Acá, Vaughan recrea su etapa pre-misticismo y hace un fuerte hincapié en toda esa área inexplorada. Otro logro es, seguramente, la dimensión que cobra la figura de Wong, eterno sidekick del Tordo, al que rara vez lo habíamos visto brillar como en esta saga. Y uno más es la forma en que Vaughan relanza y realza a Night Nurse, oscuro y semi-olvidado personaje de Marvel, que acá pasa a ser el interés romántico de Stephen, y una heroína a tener en cuenta.
Desde ahí, Vaughan arma la plataforma de lanzamiento de un guión a prueba de balas. Tiene ritmo, sorpresas, no está estirado, los malos no son los obvios, está lleno de diálogos magníficos, la bajada de línea (contra la mafia de los laboratorios) es certera, los dilemas morales son emotivos y poderosos, y los retro-injertos en el pasado del personaje son absolutamente coherentes y bienvenidos. Puestos a criticar algo, lo único incómodo es escucharlo putear al Doc, siempre afecto a usar una verba sofisticada y culta, como si de pronto se hubiese vuelto una especie de barrabrava de Nueva Chicago. Son tres o cuatro puteadas en toda la obra, pero están MUY fuera de lugar, por lo menos en boca de este personaje.
El dibujo está a cargo de un grosso del que se habla poco, con total injusticia. El español Marcos Martín es un dibujante completísimo, de enorme versatilidad, de increíble destreza para la narrativa y además dueño de un trazo realmente vibrante, intenso, siempre listo para transmitir y potenciar las emociones que propone el guión. Acá su trabajo está al nivel del que le vimos en Batgirl: Year One, y eso es un elogio de acá a las dimensiones fumancheras por las que viaja el Tordo. Hay sutiles homenajes a Ditko, que funcionan maravillosamente, y a un montón de otros dibujantes que pasaron por la serie (Frank Miller, Brett Blevins, Mark Badger, Paul Smith) más algunas cosas que nos recuerdan a Javier Pulido, o a Darwyn Cooke. Martín revuelve la coctelera, recita un par de conjuros limados, y de ahí sale algo muy, muy atractivo a la vista y totalmente funcional al relato. El colorista es otro notable autor español, Javi Rodríguez, que se complementa inmejorablemente con el dibujo de Martín.
Probablemente gracias a la inmensa popularidad de Brian Vaughan, muchos lectores hayan conocido al Doctor Strange gracias a esta miniserie. Y sí, si sos fan de Vaughan esto te va a gustar, y mucho. Pero la recomendación también va en sentido contrario: si sos fan del Hechicero Supremo y querés leer una gran historia con acción, misterio, hechizos y algunos toques románticos y humorísticos (posta, nunca hubo mejores chistes en un comic del Tordo), esta no tiene nada que ver con las clásicas de Stan Lee, Steve Englehart o Roger Stern, pero igual está espectacular y es sumamente respetuosa de todo lo anterior. Vintak Rvv Krn!