el blog de reseñas de Andrés Accorsi

sábado, 23 de enero de 2021

17 al 23 de ENERO

Llegó ese momento del finde en el que me siento a reseñar los libros que leí durante la semana. Arranqué tranqui, con un masacote de 560 páginas. El Essential X-Men Vol.7, con altas papongas de los años 1986-88. En materia de dibujantes, esta etapa de Uncanny X-Men muestra cómo de a poco Marc Silvestri evoluciona de clon apenitas más moderno de John Buscema hacia un dibujante más personal, más influenciado por Arthur Adams. Se ve que Dan Green (el entintador titular de esta serie) entendía perfectamente a dónde quería ir Silvestri, porque lo complementa muy bien. Y también se ve que la coordinadora (Ann Nocenti, genia y figura) no dejaba que el dibujante se jugara todo a la espectacularidad y dejara en segundo plano la claridad y la fluidez del relato. Además, hay varios números con suplentes de muy buen nivel, como Kerry Gammil, Bret Blevins. Rick Leonardi o Jackson Guice, y un par realmente de lujo, como Alan Davis y Barry Windsor-Smith. El tomo también incluye dos Annuals, uno dibujado por Davis (que se luce infintamente más en blanco y negro) y otro por el ya citado Art Adams, también infernal, con un entintado preciosista de Terry Austin. Y además tenemos los cuatro números de la miniserie Fantastic Four vs. X-Men, donde Austin entinta a Jon Bogdanove. No es un mal combo, pero en el contexto del resto de los dibujantes, queda un poco atrás. Los guiones de Chris Claremont están muy bien, llevan hacia adelante la serie de modo muy armónico, con una dirección clara, en la que no se notan volantazos bizarros. El gran defecto es que, al igual que en el tomo anterior, Claremont ya no cuenta la historia de los X-Men, sino la de Storm, Wolverine y sus amiguitos. Esta es la etapa en la que, tras las bajas sufridas en la Mutant Massacre, el grupo salea buscar refuerzos, y entran casi de golpe cuatro personajes nuevos. Ninguno llega a opacar en lo más mínimo a Logan y Ororo, incluso cuando esta última se aleja del equipo para vivir una extensa aventura que va a terminar con la recuperación de sus poderes, justo a tiempo para Fall of the Mutants. Claremont narra la historia de Storm a modo de un sub-plot de largo aliento, y me da la sensación de que se disfrutaría más si fuera una novela gráfica o un one-shot por afuera de la serie, en vez de diluída, cortada en fetas entre tantos números. Fall of the Mutants es lo más flojo del tomo. El villano no tiene mucha explicación, la resolución es medio frutera (como cada vez que Claremont recurre al personaje de Roma), y por ahí lo más atractivo es ver a Colossus de nuevo en acción. Ah, no, pará: el guión del Annual 11 (el que dibuja Alan Davis) es groseramente peor que el de Fall of the Mutants. Un verdadero delito a mano armada. El resto está muy bien, con algunos momentos sobresalientes. Varios de ellos están en la miniserie con los Fantastic Four, que me volvió a impactar como la primera vez, primero porque casi no hay machaca, y segundo por lo bien que escribe Claremont a los FF, sobre todo a Reed, Sue, Ben y Franklin. Estuvo muy bueno el reencuentro con todo este material, que había leído numerito a numerito en mi ya lejana adolescencia, cuando era un adicto a los títulos mutantes que todos los años se clavaba 15 o 16 dosis de Uncanny X-Men. Este año le entro seguro al Vol.8.
Y también leí el Vol.3 de Ryuko, el manga de Eldo Yoshimizu que acá publica Buen Gusto. De nuevo, me masacró con el dibujo, con la cantidad de técnicas que emplea sin salir nunca del blanco y negro, cómo cambia de estilo según la secuencia, cómo te va del dibujo despojado y lineal a una sobrecarga de rayitas, rayones, manchas y texturas totalmente barroca, y de un poder expresivo devastador. Yoshimizu es un virtuoso del dibujo que no para de sorprenderme, desde la puesta en página y los ángulos que elige, hasta cómo dibuja las onomatopeyas. Todo es cada vez más extremo, más personal, más genial. El guion… creo que se enroscó demasiado, que le sobran personajes, que está mucho más pensado como novela gráfica que como serie, con lo cual se debe disfrutar mil veces más leído todo de un saque que cortado en cachos y con las largas pausas que estoy clavando yo entre tomo y tomo. Hay personajes realmente atractivos, pero la runfla se espesó demasiado, me parece. Y ya desde la primera vez que los enemigos de Ryuko la rodearon con varios chumbos y en vez de matarla se pusieron a conversar, perdí un poco el interés. De todos modos, hasta prestándole poca atención, el manga te scaude con algunos momentos de acción de tremenda potencia y con algunos momentos intimistas (como el de Ryuko y su mamá cuando caminan bajo la nevada) resueltos con gran destreza narrativa. Eldo Yoshimizu es uno de los tantos mangakas a los que les vendría bárbaro trabajar con guionistas, pero su labor en la faz gráfica es tan hipnótica, salta al vacío tantas veces, que creo que le compro cualquier garcha que le editen. Nada más, por hoy. La semana que viene, nuevas reseñas. Gracias y hasta entonces.

sábado, 16 de enero de 2021

9 al 16 de ENERO

Vamos con las reseñas del material que leí esta semana. Me terminé el masacote casi 500 páginas que había empezado la semana anterior: nada menos que The Compleat Moonshadow, el libro que trae toda la serie original de Moonshadow (la de los ´80), más el librito que J.M. DeMatteis y Jon Muth agregaron a modo de epílogo unos diez años después de finalizar la serie. Moonshadow es, como suele decirse, la gran perdedora de 1986. Se trata de una obra colosal, magnífica, profunda, conmovedora, arriesgada en muchísimos aspectos, hermosa de punta a punta… que quedó tristemente eclipsada porque tuvo la mala suerte de salir al mismo tiempo que Dark Knight, Watchmen y Maus. Con el podio ocupado por esas tres obras, que repercutieron a nivel mediático como nunca antes habían repercutido las historietas en EEUU, no quedó mucho lugar para hablar maravillas de otras gemas que se publicaron en ese mismo momento, entre las cuales Moonshadow probablemente sea la más gloriosa, la que más méritos hizo por subirse a ese podio poblado de obras fundamentales. Moonshadow es un comic acerca de descubrirse a uno mismo, de madurar, de sobreponerse a la adversidad, de aprender a tomársela de un modo más liviano, de mirar para adelante, de aprender de cada cagada, de cada traición, de cada decepción, de cada vínculo. Es una obra que te envuelve en un clima aventurero, pero habla de la vida, la muerte, el amor, el sexo, la política, la literatura, la fantasía, la locura, la libertad… Si te ponés en choto (o sea, si no sintonizás la onda de lo que DeMatteis trata todo el tiempo de hacer en esta obra) probablemente llegues a la conclusión de que Moonshadow está estiradísima y que se podía contar lo mismo sin todas esas peripecias que se acumulan episodio tras episodio. Yo creo que no, que el atractivo está en ese viaje, en todas las cosas bizarras y/o extremas que le suceden al protagonista, y que son las que le dan rumbo y sentido a su camino hacia la madurez. El epílogo de los ´90 (lo único que no había leído nunca) es hermoso, pero con la salvedad de que no es una historieta: es un texto con ilustraciones. Un texto en el que la prosa de DeMatteis cobra un vuelo, una dimensión, una belleza que bien quisieran para sí tipos que han hecho fortunas escribiendo literatura como Neil Gaiman. Y las ilustraciones de Muth se lucen como –lógicamente- no se podían lucir en el contexto de una historieta. De todos modos, en el tramo original, el de los ´80, hay muchísimos momentos en los que DeMatteis reduce al mínimo la cantidad de texto para que Muth pueda desplegar su arsenal pictórico y detornarle las retinas al lector con su formidable manejo del lápiz, las acuarelas y demás técnicas analógicas. Creo que cuando leí Moonshadow en los ´80 la faz gráfica me gustó más que ahora, probablemente porque no estaba acostumbrado a la historieta de estilo pictórico. Hoy, ya más curtido, me gustó pero no me deslumbró tanto. Y lo único que tengo para criticar es el rotulado (del maestro Kevin Nowlan) que a veces, cuando las letras aparecen en blanco sobre fondos oscuros, no se entienden una chota. El resto es todo belleza, una verdadera Obra Maestra que difícilmente DeMatteis pueda superar en los años que le quedan a su carrera como guionista. Absolutamente recomendado.
Hacía más de cinco años que tenía abandonada Las Águilas de Roma, la serie de aventura histórica del maestro suizo Enrico Marini, y ahora sí, me sumergí en las 56 páginas del tercero de los cinco libros que componen la obra. Estoy justo en el momento en que pasa de todo: Marini le pega un upgrade al guion tan notable, tan impactante, que hace que todo lo que había leído en los dos primeros tomos se convierta en un prólogo mínimo, una mera presentación de personajes que (a la luz de lo que pasa en el Vol.3) se podría haber sintetizado en 16 páginas, siendo muy generosos. No quiero decir con esto que si empezás a leer la serie desde el Vol.3 vayas a entender todo, pero la gran mayoría de lo que cuenta Marini en estas páginas sostiene su fuerza dramática en sí mismo… y en lo que va a venir, porque el tomo termina en un punto crítico, picante, incómodo como tampón de virulana. Por suerte tengo el Vol.4 en la repisa de los pendientes, como para entrarle pronto. Además de un dibujo demasiado bueno para ser real, en el que se destacan la documentación histórica, la acción y el color por sobre la expresividad de los rostros masculinos (que es donde a Marini se lo ve más frío), este tramo de Las Águilas de Roma ofrece runfla política de gran calidad, mucha data histórica, mucho enrosque entre personajes de dudosas lealtades, secretos, traiciones, lujuria, ambición y el clásico debate entre someterse a un imperio para vivir un poquito mejor, o seguir enchastrándose en el fango de la precariedad para conservar impolutas la autonomía, la libertad y la dignidad. Los personajes de Marco y Arminio (extensamente presentados en los primeros tomos) ya están en un punto en el que los consideramos personas 100% reales, hay una cantidad importante de buenos personajes secundarios, buenos diálogos… Posta, lo único que no me gustó de este tomo es que me hizo sentir que los dos primeros son una estirada grosera de una introducción a la trama principal de la serie. Si los dos tomos que quedan mantienen este nivel, vamos a estar hablando de un recontra-clásico verdaderamente indispensable.
Ya para distender un poquito, me leí (muy rápido, no me duró ni medio viaje en bondi) Yonky el Zombi: El Crucero del Terror, la primera aventura de este popular personaje de Marko Torres que se publica en Argentina. Repito que se me hizo muy cortito, son 72 páginas de historieta pero muchas de ellas tienen dos o tres viñetas. Y lo más bajonero: el dibujo me gustó bastante menos que en Mutant Boyz o Ninja Kururo. Es como si Torres intentara subirse a la estética de Ren & Stimpy, pero se quedara a medio camino, como si a último momento dijera “no, es mucho kilombo, hay que laburar demasiado para que te quede parecido a un dibujo de Kircfalusi”. Y entonces tenemos una estética que no se ve original, y un intento de subirse a un estilo alucinante que no llega a buen puerto. Ojo, no es un horror. A los pibes que no saben qué es Ren & Stimpy les va a encantar. Y el guion es divertido, pasan muchas cosas, y sobre todo me transmitió una sensación de vértigo, de descontrol, de fiesta pasada de rosca, de absoluta libertad por parte del autor, decidido a todo con tal de sorprender, entretener y arrancarla una risa a los lectores. Tengo el tercer librito del Ninja Kururo esperando pista, que a nivel dibujo se ve mucho mejor que Yonky el Zombi. Ojalá el guion esté a la altura. Y nada más. Veremos qué llego a leer durante la semana para comentar acá el finde que viene. ¡Hasta entonces!

sábado, 9 de enero de 2021

1 al 8 de ENERO

En estos días me bajé dos libritos completos y la mitad de un masacote de casi 500 páginas, que reseñaré el finde que viene. Vamos con las reseñas de lo que leí en forma completa. Manta Vol.4 continúa la saga escrita por Jonathan Crenovich y Martín Mazzeo, y como siempre el misterio de lo que sucedió en Iceberg (y la venganza de quienes sobrevivieron) cobra nuevas capas de complejidad. Si bien los diálogos son realmente muy buenos, Mazzeo y Crenovich juegan a ponerlos sólo cuando no queda otra. Y además son diálogos muy naturales, que no explican todo el tiempo quién es cada personaje, qué hizo en los episodios previos, qué hace ahora y por qué. O sea que para entender plenamente lo que pasa, hay que prestar bastante atención. Manta es un comic que especula con la inteligencia del lector, al que le tira flashbacks, pistas medio ambiguas, puntas de una conspiración, secuencias oníricas… Si buscás una lectura fácil, obvia y pre-masticada, acá no la vas a encontrar. El problema es que para que todos estos recursos (largas secuencias mudas, narración en varios tiempos distintos, irrupción de secuencias oníricas, etc.) sean fáciles de comprender, hay que esforzarse mucho en el dibujo, para que el lector no se confunda a los personajes (y a sus distintas versiones, porque un mismo personaje en una secuencia tiene 30 años y en la siguiente, 50). Y este es el punto flojo de este tomo de Manta. Acá se hace cargo del dibujo nada menos que Nicolás Brondo, que es un dibujante ampliamente superior a los que habían pasado por los primeros tomos de la serie. Ya desde lo más básico, desde la puesta en página y la composición de las viñetas, Brondo saca mucha diferencia. Y después la amplía con el manejo de la acción, con el color… sin dudas un gigantesco paso adelante. Donde flaquea el cordobés es con el aspecto de los personajes, que muta mucho de una viñeta a la otra: los vemos adelgazar y engordar en una misma secuencia, la barba de Manuka cambia de forma de un cuadro a otro, por momentos es casi imposible descifrar que este personaje de mediana edad es el mismo al que ya conocemos 20 años más viejo… Ahí hay que ajustar las tuercas, porque si no cada episodio (encima leído con varios meses de distancia del anterior) se va a hacer más críptico y menos accesibles para los lectores que se quieran sumar con la saga ya empezada. El resto, todo muy prolijo, muy atractivo, un lujo.
María Llovet es una autora catalana que la está pegando bastante en el mercado de EEUU. Por eso, cuando vi en oferta una de sus obras, dije “¡adentro!”. Porcelain es la versión de Llovet de la clásica historia de rito iniciático, presentada como una versión Vertigo de Alice in Wonderland o The Wizard of Oz. Una chica de pueblo, con mucho dolor acumulado y reprimido, en una encrucijada fantástica, por momentos épica, siempre muy oscura, en la que va a poder salir (no sin esfuerzo, no sin dar el salto a la madurez) de los laberintos que su propia psiquis le plantea. La novela tiene profundidad, sostiene los misterios hasta el final y tiene mucho ritmo. Se nota que Llovet leyó mucho comic y vio mucho cine y supo plasmar técnicas y recursos en sus páginas. A mí no me sucedió, pero no descarto que el guion tenga la fuerza y la magia como para detonarle la cabeza a las chicas de 14-15 años que se acerquen a Porcelain porque –incluso sin salirse de los confines de una dark fantasy convencional, apta para adolescentes que vienen de Harry Potter- está bastante jugado. El dibujo está muy bien, siempre en función de la narrativa, volcado a un claroscuro bien power, bien categórico, con unos decorados alucinantes, un gran trabajo en la ropa de los personajes, y algunas imperfecciones menores en los primeros planos de las caras. Llovet incluso copia a la perfección el clásico recurso de Enrique Breccia de cambiar la técnica de entintado para los flashbacks, con excelentes resultados. Pero a grandes rasgos, la estética que nos propone Porcelain es bastante original, y va más para el lado de mangakas elegantes como Suehiro Maruo, Minetaro Mochizuki o Taiyo Matsumoto que hacia horizontes más “comerciales” y más transitados. Y sí, claro, una vez terminada la historieta, Norma nos encaja 30 páginas de bocetos, ilustraciones sin entintar, y hasta páginas terminadas que la autora finalmente descartó. No está mal, pero no hacía falta. Siempre es más sano editar un libro 30 páginas más finito y cobrarlo un poco menos. Atenti, entonces, a María Llovet, una autora que viene haciendo las cosas muy bien hace ya 10 años y en cualquier momento explota, porque sin dudas tiene con qué. La semana que viene, más lecturas de verano acá en el blog.

sábado, 2 de enero de 2021

DUODECIMA TEMPORADA

Y sí, parece que no, pero el blog sobrevive un año más. Ya se cumplieron once años de aquel primer posteo y con este de hoy, abrimos una temporada con varios cambios respecto de lo que venía pasando en los últimos años. De modo un poco temerario, yo me metí en dos proyectos muy ambiciosos, durante la pandemia, en esos momentos en los que te sobraban miles de horas y decías que sí a cualquier cosa que te propusieran. Uno fue escribir un libro, generar cientos de páginas de textos inéditos, por primera vez en mi vida. Y ya está, ya lo terminé. Se me ocurrió una idea para seguirlo engordando, pero no sé si voy a tener tiempo para desarrollarla, así que por ahora lo cerré. Pero empieza otro laburo bastante demandante, que es el de moverlo entre las editoriales, a ver si alguna lo quiere publicar, reunirse para negociar el contrato y demás. O no. También está la posibilidad de que a nadie le interese publicarlo, o que me ofrezcan condiciones medio disparatadas, y terminemos organizando un crowdfunding, como para que tod@s l@s interesad@s en el libro puedan conseguirlo a través de una pre-venta. Sea trabajando en conjunto con una editorial ya establecida, o poniéndome las pilas para editarlo yo (con el apoyo de ustedes), a esto hay que invertirle una cantidad de horas para nada menor. Y después, obviamente, salir a presentar el libro por distintas ciudades del país y del continente. Si gracias a la vacuna nos inumizamos frente al Covid-19 y podemos volver a viajar normalmente, la idea es sumar mucho millaje para poder presentar el libro (una vez editado, obvio) en una buena cantidad de ciudades. ¿De qué se trata el libro? De orfebrería, música medieval y astrología aplicada a la crianza de abejas. Nah, mentira. Son textos que abordan desde distintas ópticas el fenómeno de los superhéroes, su historia, la lógica interna de sus aventuras, su impacto en la cultura popular a nivel global, etc.. Y estuvo muy bueno, leer, pensar y escribir acerca de esos temas. Me ayudó muchísimo a pasar todos esos meses de aislamiento. Me parece que quedó algo interesante, informativo y con ideas como para reflexionar y debatir un rato. Prometo compartir en este espacio las novedades al respecto. Del otro proyecto por ahora no puedo adelantar nada, pero va a salir a la luz el mes que viene, ya falta muy poquito. Ahí también, estoy poniendo una cantidad de horas bestial y también vamos a hacer lo imposible para que ustedes quieran apoyarlo y convertirlo en éxito. El mes que viene habrá anuncios, detalles y (espero) emociones fuertes. ¿Qué queda para este espacio? Probablemente un posteo semanal, en el que yo resuma las lecturas acumuladas entre un posteo y el anterior. Me da la sensación de que este año voy a leer menos historietas que el anterior, por esta cuestión del tiempo que empieza a hacerse escaso, así que habrá semanas en las que las lecturas a reseñar sean dos o una sola. También habrá reseñas de las películas que conecten con comics y que logre ver durante el año. Por cuestiones básicamente económicas, en los últimos… tres años bajó mucho mi ritmo de compra de libros, y hoy sería imposible llegar al 31/12/21 leyendo tres o cuatro TPBs o novelas gráficas por semana. Creo que a ese ritmo no llegaría ni a Septiembre con el canuto que tengo. Pero mis otros compromisos me hacen suponer que voy a tener que bajar forzosamente el ritmo de lectura, así que con lo que tengo pendiente, creo que llego a cubrir un año más de blog. Después, si me va bien con el libro y con el otro proyecto, prometo gastar fortunas en comics así para 2022 sobra material de lectura. Y como siempre, le agradezco enormemente a las editoriales y autores de nuestro país que me hacen llegar gentilmente sus novedades para que yo las reseñe en el blog. Por ahora, entonces, la idea es postear reseñas semanales durante los fines de semana. Cuando retomemos el tema de los eventos, habrá que ver si puedo postear sábados, domingos o algún otro día. También una vez por semana trataremos de tener nuevos videos en el canal de YouTube de Comiqueando, que va a seguir sumando novedades. Y como siempre, tenemos contenidos nuevos todos los días en el sitio web de Comiqueando, que ya es un clásico de la web. Mil gracias por el aguante a l@s seguidores del blog, a l@s “megusteadores” de Facebook, a l@s que comparten las reseñas que yo subo a este espacio, y por supuesto, a l@s artistas, sin los cuales no habría historietas para reseñar. Ojalá los 51 posteos que me faltan para completar el 2021 tengan más sustancia y menos venta de humo que este que les acabo de infligir. ¡Feliz 2021 para tod@s!

miércoles, 30 de diciembre de 2020

ESTRELLA MALIGNA REMINA

Ultima reseña del año, y debo decir que me ensarté bastante. El de Estrella Maligna Remina es, definitivamente, el peor guion de Junji Ito que leí en estos años de seguir fielmente al maestro del terror japonés. El libro se salva de ir a la basura por el dibujo, que es realmente magistral, y por la historia corta (tiene 40 páginas, o sea, es corta sólo en el contexto del comic ponja) que complementa a la principal. Millones Solitarios tiene un final más impactante que bueno, pero la consigna es genial, el desarrollo es hipnótico, el dibujo está perfecto y es –en una palabra- el momento del libro en el que Ito realmente pela su merecida chapa de capo del terror. Te pone nervioso, te asusta, te hace barajar varias hipótesis de qué carajo puede estar pasando, te lleva hasta la última viñeta agarrado de la garganta en un clima que no deja nunca de tensarse y enroscarse… Hay tantos aciertos en 40 páginas que la verdad que si el final era muy lógico o medio frutero, ya me chupaba un huevo. Sólo quería que la historieta terminara para poder respirar. En cambio, durante la lectura de Estrella Maligna Remina me agarraba la cabeza y me preguntaba “¿falta mucho?”. Acá tenemos una consigna que ya es bizarra desde el arranque: un astrónomo descubre una estrella, la bautiza con el nombre de su hija (Remina), al toque se descubre que se trata de una especie de planeta caníbal, que se devora a otros planetas, y cuando empieza a acercarse a la Tierra, la gente le echa la culpa de la inminente catástrofe a la pobre hija del astrónomo, sólo porque tiene el mismo nombre que la estrella. Una pelotudez de dimensiones cósmicas, comprable al “momento Martha” de aquella peli de Batman y Superman. Esto que conté yo, Ito lo cuenta en 30 páginas, que son las más decentes del manga. Después de ahí, la debacle. Páginas y páginas en las que una turba enardecida busca al profesor Oguro y a su hija para matarlos, acusados de haber invocado a Remina (la estrella) para que venga a fagocitarse la Tierra. Persecuciones ridículas, peripecias extremas de las que Remina (la chica) zafa de maneras inexplicables, un infinito in crescendo de situaciones forzadas, una más inverosímil que la otra, donde Ito no logra ni siquiera generar tensión, de lo largo y reiterativo que se hace todo. Para la segunda vez que crucifican a Remina, ya decís “bueno, flaco, ¿cuántas veces más la van a capturar en vez de matarla?”. Y se supone que nos tenemos que poner de la nuca porque el planeta maligno se viene con todo, pero también, Ito lo resuelve de un modo tan bizarro que me causó más risa que otra cosa. Hay un subplot bastante bien llevado, que es el de Daisuke Mineishi, el hijo de un potentado que desapareció misteriosamente hace años y que va a reaparecer en algún momento de la historia, de un modo que yo, por lo menos, no me imaginé. Ese subplot y el dibujo, que es inexplicablemente genial, fuera de toda escala, son los puntos rescatables de una historia que empieza rara, rápidamente se vuelve absurda y finalmente, después de muchas páginas de un periplo larguísimo y enroscado al pedo, llega a un final casi abrupto, sin onda, sin sorpresa y sin la menor lógica. Posta, no me imaginaba que Ito podía escribir un guion tan pobre, tan decepcionante. Menos mal que a nivel visual Estrella Maligna Remina es una cátedra absoluta, en la que el autor deslumbra en todas las páginas con unas imágenes, unas texturas y un dinamismo descomunales. ¿Recomiendo este libro? Y, qué sé yo… si te hiciste militante de Junji Ito lo más probable es que lo quieras tener, aunque sea para alucinar con esos dibujos, y para disfrutar de la historia complementaria. Si nunca le entraste a la obra de este autor, por supuesto que te recomiendo probar por otro lado, por alguno de los mangas que –además de dibujos fabulosos- tienen guiones que no te faltan el respeto. Yo todavía no sé si quedármelo o no. Y bueno, así, como quien no quiere la cosa, se termina este extraño y complicado 2020. La semana que viene inauguramos la duodécima temporada del blog, y les cuento más o menos qué tengo pensado para seguir posteando en este espacio que compartimos hace ya once años. Gracias por otros 365 días de aguante y que empiecen muy bien el 2021.

lunes, 28 de diciembre de 2020

WONDER WOMAN 1984

¡Qué añito, DC! Muchísimas revistas canceladas, una cantidad brutal de empleados echados a la calle y dos películas, una más horrible que la otra. Wonder Woman 1984 es un flagelo, un castigo de más de 150 minutos que sólo un masoquista se puede infligir a sí mismo. La primera película de la franquicia, la de 2017, estaba un poco floja de papeles, pero en el contexto de lo que había estrenado DC en 2016 la recibimos como un prodigio, como un regalo de la providencia. Esta, que llega después de otro largometraje tirando a bochornoso y muchos meses sin estrenos a causa de la pandemia, no tiene méritos para generar ningún tipo de entusiasmo, ni entre los más desesperados. La directora Patty Jenkins nos regala una secuencia de apertura espectacular, una segunda secuencia simpática, una muy buena escenita entre los créditos y todo el resto del metraje es un verdadero calvario. Me aburrí muchísimo, como hacía mucho que no me aburría viendo cine. Todo el tiempo se me hizo obvio lo que iba a pasar y todo el tiempo me vi venir cosas absurdas y patéticas, que efectivamente sucedieron. Pedro Pascal, el actor que interpreta a Maxwell Lord, al principio me cayó bien. Me pareció que darle a Lord ese filo histriónico, un poco exagerado, era coherente con cómo me imaginaba al personaje actuando en los comics de la Justice League. Pero con el correr de los minutos, Pascal se me fue haciendo cada vez más insufrible, más sobreactuado, más caricaturesco. Para el final ya me daba vergüenza ajena, ya era una especie de bufón lamentable que hundía cada escena bajo el peso de su propia ridiculez, tipo Richard Pryor en la tercera película de Superman. Y el tema del hijito, era obvio para dónde iba a disparar, desde la primera escena en la que lo muestran. La actuación de Kristen Wiig, la chica que interpreta a Barbara Minerva, también va de mayor a menor. Me pareció copada cuando hace de nerd, insegura y torpe al estilo Clark Kent, y después, cuando el guion la lleva por otra senda (no quiero spoilear, pero supongo que todos saben en qué se puede convertir un personaje que se llama Barbara Minerva), pobre mina no pega una. Su función en la trama se empieza a diluir hasta desaparecer sin pena ni gloria en un tercer acto mucho más ilógico y titubeante que el de la primera peli de Wonder Woman. A Chris Pine lo vi mejor que en la peli del 2017, más suelto en las escenas de comedia, siempre dentro del acotado margen que le otorga un personaje tan chato como Steve Trevor. Y por suerte Gal Gadot mantiene intacto su encanto y su carisma. Lástima el guion, que es malísimo. Toda la parte en la que viajan a Egipto no tiene razón de ser, te la podés saltear tranquilamente, porque la historia no avanza un milímetro. La escena de los fuegos artificiales, también, totalmente al pedo. Y uno entiende que el conflicto sea una boludez, y que al villano le puede ganar cualquiera de mis tías setentonas mientras miran la novela de la tarde, pero igual no tiene lógica que Diana, en vez de mandarse con todo a tratar de frenarlo, pierda tiempo en el medio de una crisis perfeccionando sus técnicas de vuelo. Eso lo podría hacer después de derrotar al villano. ¿Tiene sentido que la peli esté ambientada en 1984? Muy poco. Apenas sirve para mostrar la escalada demencial de rusos y yankis en materia de ojivas nucleares. Ni siquiera aprovechan lo más lindo que tenía 1984, que era la música. Según los créditos finales, en la peli suenan hits como Rio (de Duran Duran) y Cars (de Gary Numan). Yo ni me di cuenta, y eso que presté atención. Guiños comiqueros, detecté tres copados: el jet invisible, la armadura dorada que inventó Alex Ross y la aparición en un rol chiquito de Simon Stagg, el suegro de Metamorpho. Pero no alcanza para salvar del papelón a esta secuela. Lo único realmente notable es el cariño que tienen Gadot, Jenkins y los guionistas (entre los que está Geoff Johns) por Wonder Woman, cómo se esfuerzan todo el tiempo para convencerte de que esta mina, además de hermosa y poderosa, es noble, valiente, responsable, compasiva, con una integridad a prueba de balas. Pero la aventura en sí, me resultó catastrófica. Voy a tener que leer críticas excelentes para animarme a mirar una tercera película de Wonder Woman a cargo de esta misma gente… Ah, y estoy leyendo un comic. Es largo, ténganme paciencia. Ni bien lo termine, sale reseña. Gracias y nos reencontramos pronto, acá en el blog.

miércoles, 23 de diciembre de 2020

LAZARUS CHURCHYARD: THE FINAL CUT

Este es un libro editado hace 20 años, que recopila historietas publicadas hace 30. Dos décadas tardé en conseguir esta gema, que siempre me fue esquiva. Recuerdo habérsela manoseado con cariño a un amigo que la tenía en su biblioteca cada vez que lo iba a visitar… pero bueno, ya está. La conseguí, la leí, y lo más importante es que la disfruté. Lazarus Churchyard es la primera historieta más o menos importante en la carrera de Warren Ellis, y debutó en 1990 en la revista Blast!, una antología británca apuntada al público adulto. El dibujante no es otro que el gran Matt Brooker, más conocido como D´Israeli, que acá deja la piel en cada viñeta, como lo suele hacer en todos sus trabajos. A nivel gráfico, acá D´Israeli se pone decididamente a la vanguardia. A su dibujo siempre plástico, intenso, generoso en detalles, el ídolo suma una gran fuerza expresiva, y recursos tales como escenas sutilmente dibujadas a lápiz de color, texturas, témperas blancas, efectos de estática, salpicados, escenas resueltas con una línea clara que se acerca a la que usaba Moebius en los primeros álbumes de El Incal, escenas engamadas en un único color… Visualmente, esto es un deleite, un mix irresistible entre estridencia y sofisticación, donde en cada viñeta queda en claro que estamos ante un dibujante prodigioso, un auténtico genio del Noveno Arte. En cuanto a la labor de Ellis, esto no parece en absoluto una obra de un guionista joven que recién se iniciaba en la profesión. El británico se luce a la hora de presentarnos este mundo futurista y decadente, dota a Lazarus de un pasado muy atractivo, y sobre todo de una motivación muy original: es un tipo que vivió más de 400 años y que lo único que quiere es morirse. Pero lo más ganchero es, a mi juicio, el tono. Acá está la mala leche, el humor negro, la vorágine de drogas, perversiones sexuales y usos bizarros de la tecnología que van a explotar unos años más tarde en (adivinaste) Transmetropolitan. Lazarus Churchyard se puede leer tranquilamente como un prólogo, o como un ensayo, para lo que más tarde va a ser la obra más rupturista de Warren Ellis, y eso la hace fundamental. La historia más floja de las que integran el tomo es la de los separatistas vascos, que no llega a ser chota ni mucho menos. Ese mismo guion, protagonizado por Lobo o por cualquier personaje de la 2000 A.D. que tenga aventuras con violencia, descontrol y humor negro, funcionaría lo más bien. En el contexto de Lazarus Churchyard, uno por ahí esperaba un plus, un vuelta de tuerca más. Y la mejor historia del tomo, la breve “Lucy”, es una joya de la mala leche y la desolación. La cantidad de ideas macabras y jodidas que introduce Ellis en apenas ocho páginas es algo realmente descomunal. El libro termina con una historieta inédita, “Finality”, que narra la historia de la concepción de Lazarus Churchyard. Otra cátedra de sordidez y oscuridad, dibujada varios años después que el resto del material. Acá se ve a D´Israeli dibujar y colorear incluso mejor que en el resto del tomo, y hasta alterar el diseño del protagonista, que ya no se parece tanto a Howard Stern, sino que tiene rasgos más extremos, más insectoides. Son otras 12 páginas impresionantes, que hacen que no quieras que Lazarus Churchyard se termine ahí, porque se ve a los autores compenetradísimos, y en un nivel devastador. Y no, no hay más Lazarus Churchyard, pero por suerte Warren Ellis volvió a frotar la lámpara y nos regaló la alucinante Transmetropolitan, donde el futuro hiper-tecno volvió a ser el escenario de una orgía de mala leche, violencia, sexo y más ideas geniales, originales y con ese condimento socio-político típico de este guionista, que cuando quiere, es genial. Obviamente, si sos fan de Ellis, o de D´Israeli, o de las historietas futuristas de decadencia y sordidez, te recontra-recomiendo esta edición de Lazarus Churchyard. Con la reseña de hoy alcanzamos la meta de las 120 en el año, lo cual no significa que no vuelva a postear de acá al 01/01/21. En una de esas, pinta una yapa, como para sumarle un par de entradas más a la estadística. Gracias y hasta pronto.

domingo, 20 de diciembre de 2020

LOS JINETES Y LA NOCHE 1002… 1003… 1004…

Nuevo recopilatorio de las historietas que Eduardo Mazzitelli y Quique Alcatena realizan para el mercado italiano, y como siempre, uno abre estos libros preparado para viajar por lugares maravillosos y vivir aventuras imposibles. Esta vez, tenemos una breve novela gráfica desarrollada en cinco episodios (Los Jinetes) y seis historias cortas autoconclusivas, que comparten una misma ambientación: la Arabia mítica, la de los sultanes y califas mezclados con genios (o djinns), ifrits y demás criaturas legendarias de infinito poder. La referencia a Las 1000 y Una Noches que propone el título no es caprichosa, porque la intención de los autores va claramente por ese lado, por el de sumar nuevos relatos fantásticos a aquella clásica compilación de cuentos y leyendas. Empiezo de atrás paraa delante, con las seis historias cortas. La sexta me gustó mucho, la quinta se me hizo un poquito predecible, la cuarta también me resultó atrapante, la tercera me parece que habría funcionado mejor en otra extensión (más larga, con más espacio para ponerle acción y aventura, como para que no quede en la canchereada de “mirá qué buena idea se me ocurrió”), la segunda me gustó por ser la más loca, la más fantasiosa, y la primera probablemente sea la más redondita, la que ofrece un mejor equilibrio entre una buena idea y un buen desarrollo. En todos los relatos Mazzitelli logra que los elementos fantásticos magnifiquen y potencien sus fábulas de poder, ambición, amor, lujuria, sabiduría, honor y codicia, y eso hace que no importe en lo más mínimo si el rol de la aventura es protagónico o anecdótico. Mazzitelli se propone hacer vibrar al lector y emocionarlo con otras armas: no con los cheap thrills de los combates, las persecuciones y los cataclismos que hacen temblar al mundo, sino con tramas en las que lo fantástico y lo imposible están ahí para darle fuerza a conflictos en los que todo pasa por los sentimientos. Creo que lo que más me gustó fue Los Jinetes, una saga breve pero intensa, por momentos asfixiante, que gira en torno a la venganza, o en realidad. a los límites de la venganza. También hay una trama romántica, un misterio sobrenatural muy bien llevado, intriga palaciega de alto vuelo y esos textos típicos de Mazzitelli en los que florece una prosa contundente, conmovedora, única. El guionista aprovecha la mayor extensión de Los Jinetes para ensayar lo que no puede hacer en las historias cortas, que es el desarrollo de personajes. Los cuatro o cinco protagonistas de la historia evolucionan notablemente en apenas 70 páginas y eso es parte de lo que mantiene atrapante a una historia que vos ya sabés desde el principio cómo va a terminar. Acá también, el amor, el poder, la ambición, la soberbia, la sabiduría, la templanza y la fe se entrelazan en una historia por cuyos pliegues se deslizan interesantísimas reflexiones acerca de cuestiones que nos son mucho más cercanas, más próximas que estos desiertos infinitos, estos palacios fastuosos y estas criaturas mágicas con formidables poderes. También como siempre, el talento literario de Mazzitelli, su capacidad asombrosa para generar situaciones dramáticas que exceden los contextos de la aventura y la fantasía, encuentra el complemento perfecto en la pluma endiablada de Alcatena. Si los genios son descriptos como poderosos, Quique los dibuja hiper-poderosos; si los palacios son descriptos como majestuosos, Quique los dibuja hiper-majestuosos; y lo mismo sucede con las mujeres hermosas, los ejércitos, las tempestades y las masacres. El trazo de Quique amplifica este mundo, lo hace aún más contundente, más emotivo, más cautivante. Una vez más, resulta imposible no quedar paralizado por la belleza de los detalles, por la forma en que Alcatena ornamenta las viñetas, la forma en que las acomoda en la página para lograr el mayor impacto narrativo, y –por supuesto- por los desbordes de la imaginación de este prócer del Noveno Arte. Podés haber leído decenas de versiones de los cuentos de Las Mil y Una Noches, saberte de memoria todas las fábulas y tener el más completo conocimiento de todas las criaturas fantásticas que aparecen en las leyendas de la Arabia mítica, pero nunca las viste (ni las imaginaste) como las dibuja Alcatena en estas páginas. Una vez más, acá la magia se hace papel y el papel se hace magia, un truco con el que Alcatena nos hechizó hace 35 años y –por suerte- no nos dejó escapar jamás. Recomiendo mucho este libro, y no, no lo pongo por encima de Una de Vampiros, que por ahora sigue siendo –para mi gusto- la mejor obra de autores argentinos publicada en nuestro país en 2020. Hablando de 2020 y de su inminente final, estoy evaluando alternativas para seguir con el blog en 2021. Ojalá se me terminen de acomodar las ideas y encuentre un formato viable, sustentable a lo largo de otros 365 días. Y nada más, por hoy. Nos reencontramos ya en el verano, acá en el blog.

jueves, 17 de diciembre de 2020

FAN LETAL/ FAN CON NATA Vol.2

Este libro debe ser de las últimas publicaciones lanzadas por Forum antes de irse a la B. Tengo entendido que el mítico sello de Planeta-DeAgostini desapareció a fines de 2004, y este Vol.2 de Fan Letal/ Fan con Nata está fechado en Noviembre de ese año. El tomo recopila casi 90 páginas de humor realizadas por Cels Piñol para las revistas de Forum y para Dolmen, la ya clásica revista de información que se publica en España desde 1996. Las historietas (todas de una página, casi todas divididas en seis viñetas horizontales) recorren los años 1996-2000, con comentarios irónicos o desopilantes acerca de la coyuntura que se vivía en aquel momento. Casualmente coincide con la época en la que yo viajé a España por primera y segunda vez (1998 y 1999) y en la que, por estar al frente de una revista de info sobre comics, estaba muy empapado de esa actualidad vibrante, por momentos desconcertante, a la que hacen referencia la mayoría de los chistes de Cels. Acá se ven claramente el desconcierto que reinó durante esta época en Marvel, las internas furibundas dentro de Image, el manga que crecía y se comía el mercado, la orfandad que sintieron los lectores de DC cuando desapareció Zinco (muy similar a la que se vivió en Argentina cuando desapareció Perfil), la grosera proliferación de merchandising en los eventos de comic, la llegada de los X-Men a la pantalla grande… Todas cosas que los comiqueros vivimos, sentimos y sufrimos en un día a día muy intenso, en el que la información todavía no circulaba a la velocidad a la que circula hoy, pero ya nos había hecho adictos. Además de ese repaso jocoso por la coyuntura de aquellos años, Piñol satiriza las costumbres de los fanáticos: la cacería de firmas en los eventos, la obsesión por tener los comics el día que salen, conservarlos en perfecto estado y meterlos en casa sin tener que explicarle a la novia, esposa o padres cuánta guita te patinaste, el gaste a los pibitos que empezaron a leer comics con Jim Lee, Rob Liefeld y Todd McFarlane y no saben quién es Jack Kirby, los tesoros ocultos que se pueden capturar en comiquerías y convenciones, lo que se padece cuando las editoriales retrasan sus novedades… Cosas de todos los días para los que alguna vez estuvimos muy pasados de rosca en el consumo, lectura y acumulación de libros y revistas con viñetas. Pero, no conforme con esto, Piñol incorpora una tercera temática, bastante más infrecuente: muchas de las situaciones más disparatadas suceden puertas adentro de las oficinas de Forum, y el autor juega con caricaturas (no necesariamente cariñosas ni condescendientes) de sus jefes, colegas y demás responsables de las decisiones, lanzamientos, éxitos y fracasos de la propia editorial en la que publicaba sus páginas. O sea que por momentos esto también se puede leer como un backstage de lo que pasaba dentro de Forum, obviamente en clave satírica. También aparecen bastante Ridli Scott, el Capitán Morsa, Stuart, Don Depresor, John Konstantin, el propio Cels y Léon, entre otros personajes ya conocidos para los seguidores del Universo Fanhunter, pero todos en plan de llevar cada breve hsitorieta a su remate final. El dibujo, que es siempre el punto débil de Cels Piñol, la verdad que no me hizo tanto ruido como otras veces. Por supuesto que la grilla de seis cuadros horizontales muchas veces resulta completamente incompatible con el timing de comedia que intenta lograr el autor, por supuesto que no me gusta el rotulado, pero son cosas a las que me acostumbré rápido. Lo único que se me hace indigesto, que se convierte en una sucesión de patadas a la garganta, es la forma en la que Cels dibuja a las mujeres: todas iguales, siempre igual de mal (en este rubro no se ve el menor progreso entre las planchas del ´96 y las del 2000) y encima siempre en el mismo plano (el que les toma las tetas, los hombros y la cabeza) y siempre de frente. Ni se le ocurre intentar, aunque sea una vez, dibujar a una mujer de perfil, o de cuerpo entero. Es como si te dijera “esto es lo que hay, y si no te gusta, mala leche”. Por lo menos las mujeres que aparecen (principalmente Conchi, la pareja de Stuart) no están caracterizadas como idiotas, ni como busconas, ni como agentes de la represión encargadas de que los varones la pasen mal, o sientan culpa o vergüenza por ser comiqueros. La verdad es que, si este material además de todos los méritos que tiene en materia de onda, humor, poder de observación, instancias de identificación, mala leche y delirio, además estuviera bien dibujado, sería ddemasiado. Un afano, una humillación, una injusticia tremenda para todos los demás autores. Así como está, está bastante bien, y me causó mucha gracia a pesar de los casi 25 años transcurridos. Nada más por hoy. Gracias por bancar los trapos y nos reencontramos en unos días, con nuevas reseñas acá en el blog.

lunes, 14 de diciembre de 2020

ARKHAM ASYLUM: LIVING HELL

Ay, la puta madre, qué manera de desaprovechar oportunidades… Esta miniserie escrita por Dan Slott y dibujada por Ryan Sook en 2003 arranca con un primer episodio glorioso, devastador, con excelentes ideas, un desarrollo apasionante y un final… medio pete, porque se impone la pésima decisión de estirar la historia cinco episodios más. El nº1 es un deleite, de verdad. Slott nos presenta a Warren White, el garca definitivo, un tiburón de la matufia financiera acostumbrado a estafar gente con uno de esos pases de magia legales que hacen desaparecer los ahorros de una viejita, la pequeña empresa de un laburante, o el canuto que arman los yankis para pagarle la universidad a sus hijos (ahí sí que –como decía una gobernadora nefasta- los pobres no llegan a la universidad). A White le sale mal un curro, lo denuncian, va a juicio, y para zafar de la cárcel no se le ocurre mejor idea que alegar demencia. Y efectivamente zafa de la tumba, pero le toca un destino peor: lo mandan a Arkham Asylum, para hacerle pericias psiquiátricas y confirmar si está loco o no. Cuando a White le cae la ficha de que va a tener que convivir con monstruos homicidas como el Joker, Two-Face y Killer Croc, decide lanzar sus redes de corrupción en el Asylum, y ver a quién puede coimear para que lo saquen de ese infierno. Todo este tramo es realmente genial, sobre todo la forma en que Slott presenta a un villano 100% maligno pero que nunca intercambió ni un sopapo con héroes o criminales enmascarados y que siempre resolvió todo con el poder de la guita. De pronto entendemos que en el Arkham Asylum la guita es algo muy menor, con la que no resolvés el principal problema, que es sobrevivir si sos un demente, y no volverte loco si no lo sos. Cuando White está cerca de lograr su cometido, interviene Batman (que aparece apenas un par de viñetas en todo el TPB) y el plan del estafador se hace añicos. ¿Cómo corno no se les ocurrió la forma de contar eso en 48 páginas, y convertir a Living Hell en un prestige demoledor? Hasta se podrían haber usado algunas ideas (o puntitas de ideas) que aparecen desperdigadas en el resto del TPB para darle más fuerza al final… Acá estaba la materia prima para una historieta excelente, de punta a punta. Pero no pudo ser. Los episodios 2 al 6 continúan la historia de Warren White atrapado en el Arkham Asylum, y Slott trata de hacerla interesante mechando momentos de humor, de violencia física muy brutal, de misterio sobrenatural y –ya sobre el cierre- una hecatombe mística cuasi-lovecraftiana, con magia, criaturas infernales y el mismísimo Etrigan envuelto en la machaca. Todo completamente innecesario, en especial esa sutil evolución de White, al que los autores van desfigurando hasta convertirlo en un freak más, de los tantos que pueblan las celdas del manicomio más famoso del Noveno Arte. Los villanos clásicos tienen roles pequeños en la trama. Sólo Two-Face amaga en algún momento con apoderarse del protagonismo y el resto (Scarecrow, Joker, Poison Ivy, Mad Hatter, Riddler, Killer Croc, Ventriloquist, etc.) están básicamente de adorno, para que los puedan poner en las portadas y engañar a algún comprador incauto. Pero además Slott hace otro truco innecesario: crea de la nada a cinco o seis criminales dementes 100% nuevos, a los que nunca habíamos visto, y los desarrolla un montón, los trata mucho mejor que a los que todos conocemos, al punto de que me hizo dudar si alguno de ellos no había aparecido ya en historietas previas. La respuesta es “no, pero sí en historietas posteriores”. Obviamente DC no se iba a privar de apoderarse de las creaciones de Slott que más o menos pegaron entre los lectores. El dibujo de Ryan Sook me gustó mucho. No es tan vistoso como en aquellos números de The Spectre que había dibujado un par de años antes, pero está muy bien, es muy funcional al relato y a los climas opresivos que este plantea. Las tintas de Wade Von Grawbadger también van para ese lado, el de acentuar la oscuridad y la deformidad de lo que está pasando. Se pasa de rosca en su intento por convertir a Sook en una especie de Kevin Nowlan o Mike Mignola, pero en general su aporte es acertado. El comic en sí no es un desastre, para nada. Es llevadero y tiene momentos de gran intensidad. El problema es lo que no pasa, lo que pudo haber sido Living Hell si la idea que tuvo Slott para el nº1 se desarrollaba en 48 páginas en vez de 23 y se terminaba ahí, sin seguirla, sin entrar en ese laberinto ridículo de peleas en el que la miniserie se pierde una vez terminado el primer episodio. Si la historia se concentraba 100% en la idea original, la del estafador inescrupuloso decidido a escapar de ese abismo en el que mandan los monstruos, no tengo dudas de que llegaba a un puerto infinitamente mejor. Y bueno, es lo que hay. Nada más por hoy, y nos reencontramos pronto, con nuevas reseñas acá en el blog.

viernes, 11 de diciembre de 2020

GUNVARA Y LA TRIBU PERDIDA

Este es un comic-book, más que un libro o una novela gráfica, pero muy bien editado, con una presentación impecable, un papel de alto gramaje, todo pensado y cuidado con una calidad infrecuente para las editoriales chicas de nuestra región. La historieta en sí tiene 32 páginas y está bien, es una cantidad idónea para desarrollar sin sobresaltos la historia que se le ocurrió a Athos Pastore y a la que le dio forma el guion de Pablo Ontivero. Se trata de una epopeya clásica, que avanza todo el tiempo hacia la confrontación entre Buenos y Malos, y que se las ingenia para –en un contexto 100% fantástico- filtrar alguna reflexión acerca del poder, la corrupción y qué pasa cuando los gobernantes se cagan en los gobernados. Todo esto en un tono adusto, serio, con poco diálogo, sin toques de humor, y con una protagonista fría, distante, que hace un recorrido, una especie de aprendizaje durante estas páginas, pero no lo exterioriza, va todo por dentro. Así es como cobran mucho peso los silencios, lo cual es bastante lógico. Estamos muy acostumbrados a la fantasí épica en la que los guerreros hablan sin parar y hasta tiran juegos de palabras mientras se cagan a hachazos y espadazos, e incluso a aventuras de este tipo que meten globos de pensamiento durante las peleas con monstruos subacuáticos, en las que los personajes no pueden hablar. Como Pastore en Mano Oculta, acá Ontivero prefiere narrar la abundante acción en silencio, y recostarse sobre las habilidades expresivas del dibujante. Del dibujo de Luca Vassallo lo que más me gustó es el pin-up con el que ilustra la retiración de portada. Yo lo habría puesto en la tapa, frente-march. En las páginas interiores, creo que lo que más disfruté fue la solidez en la narrativa, el manejo siempre ajustado y criterioso de la puesta en página, que es muy cambiante a lo largo de la historia, pero que siempre ofrece sorpresas y logros. La estética en sí es rara, por momentos parece una mezcla entre un virtuoso de la imaginación y la fantasia tipo Patrice Killofer y un dibujante de los neo-clones de Kirby, tipo Benjamin Marra o Tom Scioli. O no, porque estos tipos exageran todo el tiempo el dinamismo de la acción, la hacen muy estridente, y Vassallo es cualquier cosa menos estridente. No sé bien con qué estilo emparentar esas figuras que en algunos momentos se ven muy estáticas. Por ahí más que en Kirby hay que pensar en Steve Ditko… no sé muy bien por dónde entrarle. Pero es un dibujo correcto, que se ensambla bien con la onda de la historia. Como Kirby y Ditko, Vassallo también opta por un mundo de colores planos, primarios, sin matices. Es un estilo de coloreado que realza el trabajo del dibujante con las formas, y con la manera en que combina esas distintas formas dentro de cada una de las viñetas. Y ahí sale a la luz otro mérito de Vassallo, que es el talento para componer la viñeta, ya sea un simple primer plano de un único personaje, o una toma amplia y grandilocuente, en la que vemos a decenas de personajes en acción, y además los fondos. Tengo la sensación de estar ante un dibujante raro y bueno, pero más bueno que raro. Si todo el comic estuviera dibujado como el pin-up de la retiración de contratapa, por ahí estaría hablando de un monstruo, de un crack con pasta de genio. Y no mucho más. Con sólo 32 páginas y poco texto, si me meto más a fondo en la trama, termino spoileando todo lo que pasa. Me limito a señalar que Pastore, Ontivero y Vassallo tienen la noble intención de encontrarle una vuelta de tuerca más a la típica epopeya fantástica de guerreros, monstruos y criaturas bizarras, y que se esfuerzan para que uno note que no se quieren copiar de ninguno de los grandes maestros que incursionaron en ese género. Si continúan con las aventuras de Gunvara, no tengo dudas de que van a terminar de agarrarle la mano al tipo de historias que quieren contar y que van a lograr un personaje fuerte, atractivo, que deslumbre tanto como los paisajes extraños y las criaturas alucinantes con las que Vassallo pobló a este mundo. Nada más, por hoy. Buen finde para tod@s y nos reencontramos pronto con nuevas reseñas, acá en el blog.

martes, 8 de diciembre de 2020

TURNO DE NOCHE

Hace poco estuve a punto de comprarme este libro, convencido de que no lo tenía. Por suerte me frené a tiempo, volví a mi casa, me fijé y sí, lo tenía. Pero no recordaba absolutamente nada acerca del argumento, ni siquiera del dibujo, así que lo puse en la pila del material pendiente para leer, convencido de que al leerlo me iba a acaordar de algunas cosas, que me iba a caer alguna ficha, onda “ah, sí, cierto que pasaba tal cosa con tal personaje”… Nada de eso sucedió. Lo leí de punta a punta y a cada página me fui convenciendo cada vez más de que nunca jamás, en mi puta vida, había leído esta obra de Matthias Schultheiss. ¿Por qué lo clavé en la biblioteca sin leerlo? No tengo la menor idea. Misterios de la vida. Tampoco descarto que en su momento lo haya leído y mi memoria lo haya deleteado por completo del disco rígido. No suele suceder, pero siempre hay una primera vez para todo y en la familia de mi viejo hubo muchos casos de adultos mayores con Alzheimer. Así que antes de terminar con el viejito protagonista de Arrugas, me interno en la reseña de esta breve novela gráfica. Es obvio que cualquier cosa con esa portada tiene que ser un éxito. Te muestran esa imagen y para no llevarte el libro tenés que tener un témpano en el alma o telarañas en los bolsillos y hambre de un par de días. Y adentro el dibujo baja un par de cambios respecto de la portada, pero es muy ganchero, muy hermoso. Schultheiss no improvisa, no manda fruta. Te dibuja unos personajes bien definidos, con mucha expresividad, te cuida todos los detalles en la ropa y los peinados, y te los larga a yirar por una ciudad (Hamburgo) a la que le sentís los ruidos, los olores, el ritmo. La narrativa es ajustada, tampoco se cuelga con boludeces, ni se desordena a la hora de la planificación de las secuencias. Podemos discutir si está bueno que arme algunas páginas con tres tiras (generalmente de dos viñetas iguales, es decir, la Gran Kirby) y otras con cuatro tiras. En general, cuando opta por las cuatro tiras, el alemán te clava una sola viñeta widescreen por tira, y le queda bárbaro. Me gusta bastante menos cuando rompe la página en cuatro tiras y a su vez subdivide cada tira en dos viñetas, pero por suerte no es algo que suceda muchas veces en las cincuenta y pico de páginas de Turno de Noche. En general, entonces, la faz gráfica está muy bien. El texto está bien repartido entre las viñetas, los climas apuntalan bien las sensaciones que quiere transmitir el guión, y por supuesto en todo lo que tiene que ver con anatomía, iluminación, color y volúmenes, estamos ante un monstruo, un tipo con un talento descomunal, con el aplomo como para jugarse a hacer lo que se le canta, convencido de que le va a salir de muy bien para arriba. El guión… bueno, más o menos. Hay un hallazgo muy notable, que no se debe pasar por alto, que es el trabajo en la protagonista (Leo, la taxista) y cómo Schultheiss va profundizando secuencia a secuencia sus vínculos con otros dos personajes. Sin embargo, para darle relieve, espesor, verosimilitud y hasta tensión dramática a la relación de Leo con Franki y Dusti, Schultheiss deja de lado la punta argumental que a mí más me enganchó: la de la cheta que desaparece en esa casa medio destruída no sin antes dejarse en el taxi de Leo ese amuleto que parece tener poderes sobrenaturales. El autor vuelve un par de veces sobre el tema del amuleto, los personajes piensan qué carajo hacer con él, pero lamentablemente, el conflicto que va a motorizar la trama no pasa por ahí, sino por las turbias movidas de Dusti para llevarse a Leo a la cama. Ese vínculo tóxico, obsesivo, por momentos muy violento, le roba protagonismo al elemento que a priori parecía más rico como sustento de la ficción que plantea Schultheiss y lleva a la trama en otra dirección, tal vez más asfixiante y menos aventurera. No digo que esa decisión esté mal tomada, pero sí que hace sentir un toque inconexa, un toque fuera de lugar, a la primera secuencia, que a mí particularmente me encantó y me hizo ponerle muchas fichas al desarrollo que me imaginé para la obra. Pero bueno, las historietas no son las que uno se imagina, sino las que los autores efectivamente escriben y dibujan. Tengo otro libro de Matthias Schultheiss en el pilón de los pendientes, y ese sí, estoy seguro de no haberlo leído nunca. Ya le llegará su turno (de noche o de día, todavía no lo sé). Muchas gracias por el aguante y nos reencontramos pronto, con nuevas reseñas acá en el blog.

sábado, 5 de diciembre de 2020

GRENDEL TALES: HOMECOMING

Me cayó milagrosamente este tomito, que recopila una miniserie de Grendel Tales de apenas tres episodios. Una historia muy corta, que se lee muy rápido, pero no exenta de sorpresas. Básicamente, me sorprendieron dos cosas: 1) Nunca pensé que este arquito tan menor estuviera tan enganchado con Grendel: War Child. Sin embargo, todo pasa alrededor de Susan Veraghen, un personaje que en dicha saga empieza con un rol muy menor y crece a lo largo de toda la obra hasta convertirse en un personaje secundario de bastante relieve. A cada página de Homecoming me resultaba más lógico que Matt Wagner y Pat McEown hubiesen querido traer de vuelta a Susan y profundizar en su historia, sus motivaciones y sobre todo su potencial como heroína grossa en este universo intrincado y genial como es el de Grendel. 2) Me costó, realmente, hacerme a la idea de que este dibujante era el mismo que el de War Child. Son historietas separadas por tres o cuatro años, pero en ese breve lapso lo que evoluciona el dibujo de McEown es infernal. Y va a seguir evolucionando. Para fines de los ´90, McEown va a ser un dibujante bien enrolado en el indie yanki, mucho más cerca de las antologías más vanguardistas de Fantagraphics y Drawn & Quarterly que de un comic de acción y aventuras como es Grendel. En esta estación intermedia que es Homecoming, McEown se suelta muchísimo respecto de su labor en War Child, donde hace un trabajo magnífico, pero muy pendiente de parecerse a los dibujantes típicos del mainstream. Parecía un paso previo hacia dibujar… Punisher, no hacia esta mutación gráfica que tanto disfruté en Homecoming. Mucho tiene que ver con el hecho de que, en este arco de Grendel Tales, McEown sólo está a cargo de los lápices. Quien completa la faz gráfica con tinta y color es el glorioso Dave Cooper, el zarpadísimo autor de Pip & Norton, Suckle, Crumple y tantas otras maravillas surgidas del indie más lisérgico. El trazo finito, prolijo y de grosor uniforme que emplea Cooper convierte a McEown en un dibujante de línea clara, con bastantes puntos en común con Arno, aquel talentoso dibujante francés (que también vivió en Chile y en Uruguay) que tuvo la desgracia de morirse a los 35 años. Y a la hora de agregarle el color, Cooper busca por el lado de Moebius y encuentra esa historieta hipnótica, Le Planéte Encore, con la que en 1990 el Genio Infinito sorprendió a propios y extraños. Esa misma paleta y esas mismas texturas (que parecen logradas con lápices de colores aplicados de manera muy sutil y muy precisa) aparecen en un comic de acción y machaca, de la mano de un Cooper inspiradísimo, y hacen que Homecoming no se parezca en nada a ninguna otra historieta publicada en EEUU en aquellos convulsionados mediados de los ´90. Y bueno, por el costado de todo este despliegue fastuoso de experimentación y belleza, avanza una trama también imaginada por McEown, y complementada por Matt Wagner, quien aporta “diálogos adicionales”. Es una trama chiquita que a duras penas se sostiene las 60 páginas que dura la obra, con poquitas pretensiones. Está buena para lo que decía yo antes: continuar la evolución de Susan de personaje de relleno a personaje con peso propio dentro de la mitología de Grendel. Pero la aventura en sí, despojada de su conexión con la saga creada por Wagner, es muy menor y está muy vista. Chica dura y aguerrida vuelve a su pueblo después de mucho tiempo y lo encuentra sojuzgado por una banda criminal, cuyo líder aterroriza a la población. Se reencuentra con Avrill, la chica a la que amó en secreto en su juventud, ese romance se reactiva y florece, los malos le ponen un fin abrupto al matar a Avril, y la chica dura y aguerrida descarga una venganza brutal que termina con el capo de los malvados derrotado y muerto. Fin. En 48 páginas se podía contar lo mismo, pero 60 se hacen muy llevaderas, porque las personalidades de las dos chicas están bien trabajadas, la trama romántica está bien llevada y los estallidos de machaca son realmente impactantes. ¿Recomiendo Grendel Tales: Homecoming? Sí, pero con reservas. Si no sabés quién es Susan Veraghen y nunca leíste Grendel: War Child, probablemente esto te parezca la nada misma. A menos que seas muy fan de Pat McEown o de Dave Cooper y ahí sí, esto tiene altas chances de resultarte irresistible más allá de que no te interese en lo más mínimo la trama y el universo en el que se desarrolla. Si ya venís manija con el universo de Grendel y estás buscando arcos de Grendel Tales que no sean sólo humo sino que conecten grosso con los arcos principales, acá tenés uno que aporta bastante, incluso con Matt Wagner participando muy poco. Nada más por hoy. Me dieron ganas de releer War Child, pero me las voy a aguantar, así en unos días les traigo otra reseña, de otra cosa. Gracias y hasta pronto.

miércoles, 2 de diciembre de 2020

HEROES

Terminado el mes temático dedicado a la historieta argentina, volvemos a la senda del eclecticismo y la mescolanza para este último mes del año. Héroes es un manga autoconclusivo del maestro Inio Asano, doblemente atípico. Por un lado, no se parece en nada a las otras obras de este ídolo fundamental para entender el manga del Siglo XXI. Esto va totalmente para otro lado, no tiene nada que ver con Oyasumi PunPun, ni con Solanin, ni con ningún otro manga de los muchos que reseñamos previamente en este blog. La única similitud que le encuentro con las obras anteriores de Asano es que, entre los pliegues de la trama, el autor deja traslucir un mensaje, tiene una línea consistente para bajar. De modo vago, si se quiere, desde un lugar más irónico que militante, pero Asano nos propone cierto grado de reflexión, cierto meta-comentario que trasciende la innegable gracia que tiene la historia. Por el otro lado, Héroes es una marcianada en comparación con lo que se ve habitualmente en los otros mangas, sean los clásicos hitazos comerciales o las obras más raras, más idiosincráticas. No se me ocurre con qué otros títulos vincularla, es como una categoría en sí misma. La estructura episódica de la obra está utilizada como un recurso discursivo, y es por ahí donde se filtra la pésima leche con la que Asano aborda el género en el que –supuestamente- se encuadra Héroes. El autor reitera una fórmula, una y otra vez, con lo cual logra que le prestemos atención a los detalles que no se repiten de un episodio al otro, a la vez que nos subraya el mecanismo que está poniendo en práctica. Yo escuchaba la voz de Asano diciéndome “mirá lo que voy a hacer ahora”. No sé si esto funcionará igual leyendo Héroes de a capítulos, en distintos números de una revista. Pero leído así, en libro, todo de un saque, el efecto es hipnótico. Después está el factor bizarro. Si la gracia está en satirizar al género de las gestas heroicas, en las que enormes paladines se embarcan en misiones a todo o nada de las que no siempre salen indemnes, Asano le suma una cuota de delirio al armar el equipo (el once inicial, digamos) con unos personajes extrañísimos, que rompen todos los moldes. En un punto me resistí a seguir avanzando en la lectura, porque entendí que en cada capítulo iban a ser menos (no más) las posibilidades de indagar más a fondo en este elenco disparatado, lleno de ideas geniales. Me quedé con las ganas de disfrutar de más diálogos e incluso de ver más de las aventuras de estos personajes increíblemente limados. Pero me divertí mucho, me atrapó la idea, esto de moner en marcha un mecanismo y sostenerlo capítulo a capítulo, en una progresión que nunca imaginé dónde (ni cómo) podía llegar a terminar. Por el lado del dibujo, también me encontré con un montón de sorpresas: las ilustraciones de doble página a todo color que separan a los capítulos son obras maestras, con un trabajo alucinante de color y de composición. En las historietas en sí, Asano incorpora tonos de rojo y rosa que no vemos en sus otras obras y les saca un jugo riquísimo. El dibujo es suelto, dinámico, con una vitalidad y una frescura cautivantes. Y además, al estar todo ambientado en un mundo fantástico, con personajes que en su mayoría no parecen humanos, Asano manda al freezer por un rato la referencia fotográfica (que en los últimos tiempos se habí convertido en su marca de fábrica) y se larga a inventar prácticamente todo lo que vemos. Del reflejo minucioso de una realidad urbana agobiante, nos vamos a un despliegue de imaginación sin límites, con bosques, monstruos, criaturas raras, caballeros medievales con armaduras tipo Saint Seiya y vórtices místicos de oscuridad primal. Todo dibujado en un plan más cercano a la joda que a esa intención casi documental que tienen los otros mangas del ídolo. Repito: esto es rarísimo, es Asano probando otras cosas (otras drogas), incluso a riesgo de dejar de garpe a sus seguidores de siempre, porque acá hace todas cosas que no había hecho nunca. No quiere que te identifiques con los personajes, no quiere que sientas que es una historia que podría estar pasando en tu barrio, no quiere hacerte reflexionar acerca de tu vida cotidiana. Se quiere escapar, irse a la mierda y buscarle el costado absurdo a la epopeya, a elementos fantásticos propios de los relatos que (hasta ahora) no le habían interesado en lo más mínimo. Si no te molesta esa desconexión brutal con el resto de la bibliografía del mangaka, Héroes seguramente te va a atrapar y a robarte más de una risa y más de un “nah, no podésss”. No estamos hablando de una Obra Maestra del Noveno Arte, sino de un momento extraño en la carrera de un genio, que un día decidió mostrarnos que, si se lo propone, puede encarar historietas muy distintas a las que nos viene ofreciendo en los últimos años. Ojalá todos los autores consagrados tuvieran los huevos para (de vez en cuando) salir de su zona de confort y aventurarse con ideas más locas, a años luz de lo que sus lectores más fieles esperan de ellos. Asano lo hizo, y le salió muy bien. Demostró que podemos ser Héroes, por una vez… Nada más por hoy. Nos reencontramos pronto, con nuevas reseñas, acá en el blog.