Esta historieta tiene un sólo problema y es la forma en que se la publica en Europa. A algún cráneo francés se le ocurrió que las historieta apuntadas al público infantil quedan mejor en álbumes de 32 páginas, y por supuesto los editores de otros países (Glénat de España, por ejemplo) respetan esa boludez atómica. El libro parece el típico álbum europeo, con hermosas tapas duras y toda la bola, pero trae... 30 páginas de historieta. Dejame de joder, hay que ser muy imbécil o muy turro para publicar historietas en hardcovers de 32 páginas. ¿Las historietas son episodios de 6 páginas? Excelente, juntame por lo menos diez. De a cinco, me estás cagando.
Superado ese inconveniente, nos esperan cinco historias de seis páginas cada una de una calidad desmesurada. Los guiones son de Eric Cartier, de quien no recuerdo otras obras. Y son geniales. Si las cinco primeras eran grossas (las leí hace mucho, antes de empezar el blog), estas cinco son perfectas. Y los dibujos de Lewis Trondheim son gloria pura, imaginación sin límites, humor quintaesencial.
Aún así, lo mejor, lo más rico, lo más ganchero que tiene esta serie, es el planteo: Kaput y Zösky son dos conquistadores intergalácticos, dos tipos (o bichos) completamente inescrupulosos, que recorren el cosmos en busca de nuevos planetas a los que invadir, sojuzgar, saquear y –si todo sale bien- destruir. La aniquilación y la tortura de las razas nativas de los distintos mundos es la diversión favorita de esta dupla violenta y corrupta hasta la médula, que a veces pierde por goleada, a veces rasca decorosos empates y a veces incluso se sale con la suya. Por supuesto (como sucede con Lobo, por ejemplo) un planteo tan extremo sólo se sostiene desde el humor, desde la premisa básica de que esto es un gran chiste.
En ese sentido, Cartier y Trondheim se muestran increíblemente afilados, no sólo en las situaciones, sino también en los diálogos, las expresiones faciales y en el timing mismo de la comedia, milimétricamente controlado por Trondheim a partir del recurso de dividir cada página en cinco tiras de viñetas muy chiquitas. Y dentro de ese combo de “somos locales en todas las canchas” lo más notable de este tomo son las situaciones. La primera es un truquito clásico: de pronto, Kaput se hace bueno y empieza a tratar con amabilidad y respeto a los habitantes del planeta que debía conquistar. La segunda es una oda a la mala leche, desbordante de ingenio: Acá, los matones del cosmos llegan a un planeta que se rige por un sistema democrático, se presentan a elecciones... y ganan! Y así, de repente, sin decir “agua va”, esto que parece un comic de ciencia-fición en joda, se convierte en una cátedra de política. Brillante.
En la tercera historia, caen en un mundo muerto, sólo habitado por vampiros. Es un toque predecible, pero con momentos muy cómicos. En la cuarta, la nave se incrusta en un campo de repollos de una señora que cree que los bebés nacen de los repollos y adopta a Kaput y Zösky como si fueran sus hijos! Otra bizarreada de inagotables posibilidades cómicas, explotadas a pleno por Cartier y Trondheim. Y en la última, la dupla se las ve negras para someter a un planeta, porque para lograrlo tienen que actualizar su arsenal y las armas modernas están carísimas. Un palo glorioso a la carrera armamentista y su vinculación con el gigantesco negocio de la fabricación de armas cada vez más heavies.
Y así, entre carcajadas y masacres, Kaput & Zösky se mete en la lista de las series humorísticas imprescindibles de la década pasada, y en las lista de las grandes obras del mega-prolífico Lewis Trondheim, al que no hay género, formato o grupo etáreo que logre intimidar. Son libros para comprar sólo si los ves muy baratos, por esto de que traen poquitas páginas de historieta. Pero si eso no te calienta, tirate de cabeza, cagate de risa y después prestáselo a algún hijo o sobrino y quedá como un duque, un rey, o un déspota de un imperio planetario.
sábado, 29 de septiembre de 2012
viernes, 28 de septiembre de 2012
28/ 09: MAL TIEMPO
Uh, ¿lo tenías a Federico Grunauer? Guarda con este nombre, porque estamos ante un guionista muy, pero muy interesante, que hace su debut con una antología de historias cortas en la que pela algunos trabajos realmente impresionantes, al nivel de los grossos de verdad. Veamos.
La primera historia es espectacular. Tiene un guionazo de esos que te ponen nervioso, te enganchan por completo en poquísimas viñetas y encima al final cierran por todos lados. Los diálogos, el timing, todo está demasiado bueno para un autor todavía sin una gran trayectoria detrás. El dibujo de Cutro es un poquito limitado, pero cuando el guión despliega la contundencia que demuestra Grunauer en estas 14 páginas, el dibujo pasa a ser muy secundario, casi una nimiedad.
La segunda está dibujada por Rodrigo Luján, que la rompe con su expresionismo, sus claroscuros fuertes y su acertada incorporación de los grisados. A nivel gráfico, esto es intachable. El guión de Grunauer es un toquecito más críptico, más retorcido. Te exige ir y volver para adelante y para atrás para pescar detalles, símbolos, cosas poco obvias que tienen mucho peso en la trama. Está bueno, pero no es demoledor.
La tercera historia tiene otro guión fuerte, impactante, impredecible, apoyado en una excelente construcción del personaje protagónico (Armando Gullo, el tipógrafo) y una forma muy ingeniosa de presentar las situaciones que le tocan vivir. El dibujo de Hurón está muy bueno, es muy original, aunque poco ortodoxo y puede llegar a ahuyentar a algún fan de la estética más clásica.
La cuarta es una cátedra de guión, otra verdadera maravilla de Grunauer que vale lo que pagues por todo el tomo. Es la historia de Alejandro, un veterinario que quiere ser escritor y vive un romance a dos puntas: está casado y se curte a la hermana de su mujer. Esto que parece remanido, casi obsoleto de tantas veces que se planteó, acá explota gracias a la forma audaz, original y creíble que le da el guionista. Dibuja Erica Villar sin hacer gala de virtuosismos ni innovaciones gráficas, pero con pilas para que cuerpos y caras acompañen los excelentes diálogos y las situaciones hipnóticas que Grunauer les hace protagonizar a sus personajes.
La quinta historieta se zarpa un poco en su exploración de las fantasías, los sueños y las miserias de Aldo Richardi, un gris oficinista que vive con su anciana madre de 99 años. Las ideas que pela Grunauer son magníficas, pero es la típica historia que mezcla sueño con realidad, a tal punto que no sabés bien qué pasó posta y qué no. El dibujo está a cargo del inconcebible Pedro Mancini, un autor en notable ascenso, famoso por sus cross-hatchings enfermizos, peores que los peores que hayas visto en tu vida. Con una narrativa sumamente clásica y un trazo excesivo que por momentos recuerda al Moebius de los ´70, Mancini aporta extrañeza y jerarquía a esta bizarreada de Grunauer.
La sexta historia, dibujada por Nahuel Amaya, es la que menos me enganchó. Al dibujo le falta bastante y el guión acumula buenas ideas aunque no las termina de hilvanar de modo convincente. Nunca sabés si es un homenaje a La Noche Boca Arriba de Julio Cortázar, o un experimento medio raro de realidades alternativas, o un simple abuso de la metáfora.
Y la última historia es una obrita maestra de 12 páginas en las que Grunauer se termina de consagrar. La trama, los personajes, los diálogos, el armado de las secuencias, el giro del final... no falta NADA de lo que hace grosso a un guión. El dibujo de Juan Bobillo es de una belleza y una intensidad descomunales, muy por encima de lo que se ve en el resto del tomo. No sé si Juan entregó a color o en blanco, negro y grises. Publicado así, se ve muy, muy bien. Pero me imagino esto a color y me derrito.
Estás avisado, amigo viñetófilo. Argentina tiene un nuevo guionista de aquellos, de los realmente talentosos, un nuevo mago con todo listo para maravillarnos a los que nos copamos con las historias fuertes, impredecibles y novedosas. No sucede todos los días, creeme...
La primera historia es espectacular. Tiene un guionazo de esos que te ponen nervioso, te enganchan por completo en poquísimas viñetas y encima al final cierran por todos lados. Los diálogos, el timing, todo está demasiado bueno para un autor todavía sin una gran trayectoria detrás. El dibujo de Cutro es un poquito limitado, pero cuando el guión despliega la contundencia que demuestra Grunauer en estas 14 páginas, el dibujo pasa a ser muy secundario, casi una nimiedad.
La segunda está dibujada por Rodrigo Luján, que la rompe con su expresionismo, sus claroscuros fuertes y su acertada incorporación de los grisados. A nivel gráfico, esto es intachable. El guión de Grunauer es un toquecito más críptico, más retorcido. Te exige ir y volver para adelante y para atrás para pescar detalles, símbolos, cosas poco obvias que tienen mucho peso en la trama. Está bueno, pero no es demoledor.
La tercera historia tiene otro guión fuerte, impactante, impredecible, apoyado en una excelente construcción del personaje protagónico (Armando Gullo, el tipógrafo) y una forma muy ingeniosa de presentar las situaciones que le tocan vivir. El dibujo de Hurón está muy bueno, es muy original, aunque poco ortodoxo y puede llegar a ahuyentar a algún fan de la estética más clásica.
La cuarta es una cátedra de guión, otra verdadera maravilla de Grunauer que vale lo que pagues por todo el tomo. Es la historia de Alejandro, un veterinario que quiere ser escritor y vive un romance a dos puntas: está casado y se curte a la hermana de su mujer. Esto que parece remanido, casi obsoleto de tantas veces que se planteó, acá explota gracias a la forma audaz, original y creíble que le da el guionista. Dibuja Erica Villar sin hacer gala de virtuosismos ni innovaciones gráficas, pero con pilas para que cuerpos y caras acompañen los excelentes diálogos y las situaciones hipnóticas que Grunauer les hace protagonizar a sus personajes.
La quinta historieta se zarpa un poco en su exploración de las fantasías, los sueños y las miserias de Aldo Richardi, un gris oficinista que vive con su anciana madre de 99 años. Las ideas que pela Grunauer son magníficas, pero es la típica historia que mezcla sueño con realidad, a tal punto que no sabés bien qué pasó posta y qué no. El dibujo está a cargo del inconcebible Pedro Mancini, un autor en notable ascenso, famoso por sus cross-hatchings enfermizos, peores que los peores que hayas visto en tu vida. Con una narrativa sumamente clásica y un trazo excesivo que por momentos recuerda al Moebius de los ´70, Mancini aporta extrañeza y jerarquía a esta bizarreada de Grunauer.
La sexta historia, dibujada por Nahuel Amaya, es la que menos me enganchó. Al dibujo le falta bastante y el guión acumula buenas ideas aunque no las termina de hilvanar de modo convincente. Nunca sabés si es un homenaje a La Noche Boca Arriba de Julio Cortázar, o un experimento medio raro de realidades alternativas, o un simple abuso de la metáfora.
Y la última historia es una obrita maestra de 12 páginas en las que Grunauer se termina de consagrar. La trama, los personajes, los diálogos, el armado de las secuencias, el giro del final... no falta NADA de lo que hace grosso a un guión. El dibujo de Juan Bobillo es de una belleza y una intensidad descomunales, muy por encima de lo que se ve en el resto del tomo. No sé si Juan entregó a color o en blanco, negro y grises. Publicado así, se ve muy, muy bien. Pero me imagino esto a color y me derrito.
Estás avisado, amigo viñetófilo. Argentina tiene un nuevo guionista de aquellos, de los realmente talentosos, un nuevo mago con todo listo para maravillarnos a los que nos copamos con las historias fuertes, impredecibles y novedosas. No sucede todos los días, creeme...
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jueves, 27 de septiembre de 2012
27/ 09: GILGAMESH: ARENAS ROJAS
Qué raro que es esto, ma-mita! ¿Esto salía en los ´70 en las revistas de Columba? Increíble. Se supone que Columba apelaba al mínimo denominador común, que eran historietas básicas, chatas, pensadas para gente de bajo nivel socio-cultural... y esto es todo lo contrario! Acá el guionista Sergio Mulko se pasa de sofisticado. Levanta un vuelo poético tan arriesgado, tan extremo, que en un punto es casi críptico. Esto es a la historieta lo que Rick Wakeman al rockanrol, algo demasiado elaborado, demasiado barroco, lo más anti-pochoclo que te puedas imaginar.
A tal punto Mulko se pasa de complicado, que la mitad de las cosas que pasan no las entendí leyendo las historietas, sino el prólogo del maestro Ariel Avilez (consuetudinario lector de este blog y diplomado en columbología). Hay un viaje de Marte a la Tierra, con Gilgamesh y su chica a bordo de una nave, secuencia power y definitiva para cualquier historieta de ciencia-ficción. No la vi, no me di cuenta cómo sucedía eso. Supuestamente asistimos a la destrucción de Phobos, una de las luna de Marte. Re-daba para una secuencia cataclísimica, en la que el héroe escapa con lo justo... Tampoco se ve claramente, ni se enfatiza desde el guión. Gilgamesh se enfrenta a un monstruo de la Atlántida, gran ocasión para un combate épico... que ocupa una viñeta microscópica, en una página en la que hay otras 15 viñetas microscópicas.
Realmente me intriga muchísimo cómo le entregaría Mulko los guiones a Lucho Olivera. Por momentos, los bloques de texto mandan extensas parrafadas (con un lirismo alucinante) que Lucho reparte entre cinco o seis viñetas. Mulko habla de la inmortalidad, de tumbas, vestigios y rescoldos, de “miríadas de crepitantes mundos y estrellas abigarradas”... ¿Y Lucho qué dibuja? Primeros planos de Gilgamesh o planos tan lejanos que se ven los planetas enteros con el espacio alrededor, y a veces con un globito que sale del planeta. ¿A quién se le habrá ocurrido dividir casi todas las páginas en 16 viñetas? ¿Y ocupar las restantes con splash pages impactantes? Muchas páginas incluso están divididas en cinco tiras, más chiquitas y finitas que las de los diarios.
Esto es defintivamente raro, casi fuera de la realidad. Por suerte hay textos de gran nivel (aunque no siempre sirvan para hacer avanzar la historia) y un gran estudio de qué es y para qué sirve ser inmortal. Mulko pensó a fondo en este dilema y la vida de Gilgamesh está signada por esas reflexiones, entre trágicas, cósmicas y metafísicas.
El dibujo de Lucho también sorprende, porque está muy por debajo de lo que hacía en esta misma época (1974-75) en otras historietas de su autoría. Claro, seguramente en las otras historietas no tenía que meter entre 12 y 16 mini-viñetas por página. Esto parece una colección de miniaturas, es Lucho jugando a ver cuántos cuadritos ínfimos le entran en cada página. Aún así, hay composiciones magníficas, secuencias bellamente articuladas. Pero se nota que hay dibujos hechos a mano alzada, sin siquiera un boceto previo. Los aliens que aparecen, más que miedo o extrañeza, dan risa. Parecen pibes con máscaras de aliens, bien grotescas y granguiñolescas.
Los primeros planos se repiten una y mil veces, como los informes de 6-7-8 en los que escrachan a los sicarios de Magnetto. Y –lo más choto- la acción está totalmente desenfatizada. Hay muy poca acción, es casi imperceptible, pero lo que la hace aún más imperceptible es la forma en que la dibuja Lucho. Los mínimos momentos en los que –por cuestiones de vida o muerte- los personajes deben entrar en acción, suceden en viñetas microscópicas y rodeadas de primeros planos que en un punto parecen siempre el mismo. Un sólo ejemplo: Gilgamseh y Galhya huyen de un engendro mecánico que les tira con tutti y el inmortal recibe un balazo en la frente, su primera herida quizás en muchos siglos. Todo eso en tres cuadritos diminutos, en una página de 17 viñetas. Y dos mini-cuadritos después, la herida no está más. Por suerte en cada episodio hay una o dos de esas splash pages en las que Lucho detonaba con el fulgor de mil supernovas.
Sorpresas te da la vida: esto, que salía en la D´Artagnan (que supuestamente era parte del establishment, el cuartel general del Más de lo Mismo, la máquina de hacer chorizos, la catedral de la historieta pre-masticada y adocenada), tiene una complejidad, un vuelo poético, una sofisticación y una onda tan inusual, tan anti-estridente, por momentos tan pretenciosa, que si la agarrás distraído, o la subestimás, por ahí “te deja afuera”, como dicen los columbófilos cuando tratan de leer el material más vanguardista de la Fierro.
A tal punto Mulko se pasa de complicado, que la mitad de las cosas que pasan no las entendí leyendo las historietas, sino el prólogo del maestro Ariel Avilez (consuetudinario lector de este blog y diplomado en columbología). Hay un viaje de Marte a la Tierra, con Gilgamesh y su chica a bordo de una nave, secuencia power y definitiva para cualquier historieta de ciencia-ficción. No la vi, no me di cuenta cómo sucedía eso. Supuestamente asistimos a la destrucción de Phobos, una de las luna de Marte. Re-daba para una secuencia cataclísimica, en la que el héroe escapa con lo justo... Tampoco se ve claramente, ni se enfatiza desde el guión. Gilgamesh se enfrenta a un monstruo de la Atlántida, gran ocasión para un combate épico... que ocupa una viñeta microscópica, en una página en la que hay otras 15 viñetas microscópicas.
Realmente me intriga muchísimo cómo le entregaría Mulko los guiones a Lucho Olivera. Por momentos, los bloques de texto mandan extensas parrafadas (con un lirismo alucinante) que Lucho reparte entre cinco o seis viñetas. Mulko habla de la inmortalidad, de tumbas, vestigios y rescoldos, de “miríadas de crepitantes mundos y estrellas abigarradas”... ¿Y Lucho qué dibuja? Primeros planos de Gilgamesh o planos tan lejanos que se ven los planetas enteros con el espacio alrededor, y a veces con un globito que sale del planeta. ¿A quién se le habrá ocurrido dividir casi todas las páginas en 16 viñetas? ¿Y ocupar las restantes con splash pages impactantes? Muchas páginas incluso están divididas en cinco tiras, más chiquitas y finitas que las de los diarios.
Esto es defintivamente raro, casi fuera de la realidad. Por suerte hay textos de gran nivel (aunque no siempre sirvan para hacer avanzar la historia) y un gran estudio de qué es y para qué sirve ser inmortal. Mulko pensó a fondo en este dilema y la vida de Gilgamesh está signada por esas reflexiones, entre trágicas, cósmicas y metafísicas.
El dibujo de Lucho también sorprende, porque está muy por debajo de lo que hacía en esta misma época (1974-75) en otras historietas de su autoría. Claro, seguramente en las otras historietas no tenía que meter entre 12 y 16 mini-viñetas por página. Esto parece una colección de miniaturas, es Lucho jugando a ver cuántos cuadritos ínfimos le entran en cada página. Aún así, hay composiciones magníficas, secuencias bellamente articuladas. Pero se nota que hay dibujos hechos a mano alzada, sin siquiera un boceto previo. Los aliens que aparecen, más que miedo o extrañeza, dan risa. Parecen pibes con máscaras de aliens, bien grotescas y granguiñolescas.
Los primeros planos se repiten una y mil veces, como los informes de 6-7-8 en los que escrachan a los sicarios de Magnetto. Y –lo más choto- la acción está totalmente desenfatizada. Hay muy poca acción, es casi imperceptible, pero lo que la hace aún más imperceptible es la forma en que la dibuja Lucho. Los mínimos momentos en los que –por cuestiones de vida o muerte- los personajes deben entrar en acción, suceden en viñetas microscópicas y rodeadas de primeros planos que en un punto parecen siempre el mismo. Un sólo ejemplo: Gilgamseh y Galhya huyen de un engendro mecánico que les tira con tutti y el inmortal recibe un balazo en la frente, su primera herida quizás en muchos siglos. Todo eso en tres cuadritos diminutos, en una página de 17 viñetas. Y dos mini-cuadritos después, la herida no está más. Por suerte en cada episodio hay una o dos de esas splash pages en las que Lucho detonaba con el fulgor de mil supernovas.
Sorpresas te da la vida: esto, que salía en la D´Artagnan (que supuestamente era parte del establishment, el cuartel general del Más de lo Mismo, la máquina de hacer chorizos, la catedral de la historieta pre-masticada y adocenada), tiene una complejidad, un vuelo poético, una sofisticación y una onda tan inusual, tan anti-estridente, por momentos tan pretenciosa, que si la agarrás distraído, o la subestimás, por ahí “te deja afuera”, como dicen los columbófilos cuando tratan de leer el material más vanguardista de la Fierro.
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miércoles, 26 de septiembre de 2012
26/ 09: OFF ROAD
En los ratos libres entre sus laburos para Vertigo y DC, el cada vez más grosso Sean Murphy se mandó una novela gráfica íntegramente de su autoría en la que lo vemos, por un lado, dibujar para blanco y negro, y por el otro, debutar como guionista.
A lo largo de 124 páginas, Murphy plantea un único conflicto grosso: tres pibes de veintipocos (tres “jóvenes a la deriva”) salen a andar en jeep por afuera de las rutas oficiales, se quedan varados en un lodazal y tienen que tratar de sacar al jeep de ahí antes que se haga de noche para poder ir a una fiesta que promete rock, birra y minitas ligeras de cascos. A simple vista, no hay mucho más. Ahora, si hilamos fino, hay varios conflictos más en los que Murphy saca a relucir un muy buen manejo de estos tres personajes. Greg, el pibe millonario, se cree muy poronga porque abona todo con Papi Card pero es el que menos claro tiene qué carajo hacer con su vida. Brad, el grandote con cara de patova mal atendido, tiene mil kilombos en su casa con el zarpado de su padre (que caga mal a su madre), al punto a agarrarse a trompadas. Y el personaje más estudiado, con el que claramente más se identifica Murphy, es Trent, el dibujante, el que estudia Bellas Artes y se las da de superado, alternativo y cool, pero sufre como un salame por minitas de las que se enamora y con las que le va muy mal.
Por supuesto, los distintos personajes secundarios (y terciarios y extras) reaccionan de distinta forma ante el pedido de ayuda de los amigos varados en el lodo. Están los que los mandan a la mierda de una, los que se acercan casi a curiosear y los que hacen leña del árbol (y el auto) caído. Finalmente la solución va a llegar, no sin antes poner a estos tres pajeros en la situación de tener que ponerse las pilas no por ellos, sino por alguien que tiene urgencias un poco más jodidas que “no puedo ir a la fiesta con la ropa toda embarrada”.
Como los personajes están muuuchas páginas estancados en una misma locación, los diálogos y los silencios cobran una enorme importancia. Si lo que se dicen Trent, Greg y Brad no nos resulta llamativo, la novela también se empieza a hundir en el lodo. A fuerza de una efectiva mezcla entre introspección, caracterización y chistes muy graciosos, Murphy saca adelante esas extensas secuencias en las que los pibes sólo pueden esperar que aparezca alguien y los ayude. Lo mejor de todo es que al final no hay moraleja, no dicen “bueno, hoy aprendimos algo importante”. Los amigos salen de su peripecia distintos a como llegaron, pero en buena medida dispuestos a volver a mandarse las mismas cagadas. Porque sí, porque les parece divertido.
En semejante cantidad de páginas, Murphy tiene espacio para probar de todo a nivel dibujo. Desde viñetas resueltas con meros palotes (no llegan ni a bocetos) hasta imágenes recontra-elaboradas, llenas de detalles y con grises aplicados mediante aguadas para acentuar efectos de iluminación y apuntalar los climas. En general, el trazo es más suelto, más fresco que lo que le vimos hacer a este animalito en Vertigo. Hay menos Chris Bachalo, menos Denys Cowan y más Humberto Ramos y hasta un poco de Mike Kunkel, o sea, más onda cartoon y menos realismo. Y muchos menos fondos. La narrativa es impecable, también con muchas variantes distintas, las expresiones faciales son impecables y el rotulado está todo hecho a mano. Un gran, gran trabajo de este autor que ya está entre los más completos que tiene hoy el comic yanki.
Off Road no se parece en nada a las novelas gráficas que acumulan premios, prestigio y sesudos análisis por parte de la intelectualidad que revolotea en torno al comic, pero es una obra atractiva, consistente, satisfactoria y sobre todo promisoria, porque es apenas la opera prima de un autor que ya demostró que está decidido a apostar cada vez más fuerte. Y aguante Mr.T!
A lo largo de 124 páginas, Murphy plantea un único conflicto grosso: tres pibes de veintipocos (tres “jóvenes a la deriva”) salen a andar en jeep por afuera de las rutas oficiales, se quedan varados en un lodazal y tienen que tratar de sacar al jeep de ahí antes que se haga de noche para poder ir a una fiesta que promete rock, birra y minitas ligeras de cascos. A simple vista, no hay mucho más. Ahora, si hilamos fino, hay varios conflictos más en los que Murphy saca a relucir un muy buen manejo de estos tres personajes. Greg, el pibe millonario, se cree muy poronga porque abona todo con Papi Card pero es el que menos claro tiene qué carajo hacer con su vida. Brad, el grandote con cara de patova mal atendido, tiene mil kilombos en su casa con el zarpado de su padre (que caga mal a su madre), al punto a agarrarse a trompadas. Y el personaje más estudiado, con el que claramente más se identifica Murphy, es Trent, el dibujante, el que estudia Bellas Artes y se las da de superado, alternativo y cool, pero sufre como un salame por minitas de las que se enamora y con las que le va muy mal.
Por supuesto, los distintos personajes secundarios (y terciarios y extras) reaccionan de distinta forma ante el pedido de ayuda de los amigos varados en el lodo. Están los que los mandan a la mierda de una, los que se acercan casi a curiosear y los que hacen leña del árbol (y el auto) caído. Finalmente la solución va a llegar, no sin antes poner a estos tres pajeros en la situación de tener que ponerse las pilas no por ellos, sino por alguien que tiene urgencias un poco más jodidas que “no puedo ir a la fiesta con la ropa toda embarrada”.
Como los personajes están muuuchas páginas estancados en una misma locación, los diálogos y los silencios cobran una enorme importancia. Si lo que se dicen Trent, Greg y Brad no nos resulta llamativo, la novela también se empieza a hundir en el lodo. A fuerza de una efectiva mezcla entre introspección, caracterización y chistes muy graciosos, Murphy saca adelante esas extensas secuencias en las que los pibes sólo pueden esperar que aparezca alguien y los ayude. Lo mejor de todo es que al final no hay moraleja, no dicen “bueno, hoy aprendimos algo importante”. Los amigos salen de su peripecia distintos a como llegaron, pero en buena medida dispuestos a volver a mandarse las mismas cagadas. Porque sí, porque les parece divertido.
En semejante cantidad de páginas, Murphy tiene espacio para probar de todo a nivel dibujo. Desde viñetas resueltas con meros palotes (no llegan ni a bocetos) hasta imágenes recontra-elaboradas, llenas de detalles y con grises aplicados mediante aguadas para acentuar efectos de iluminación y apuntalar los climas. En general, el trazo es más suelto, más fresco que lo que le vimos hacer a este animalito en Vertigo. Hay menos Chris Bachalo, menos Denys Cowan y más Humberto Ramos y hasta un poco de Mike Kunkel, o sea, más onda cartoon y menos realismo. Y muchos menos fondos. La narrativa es impecable, también con muchas variantes distintas, las expresiones faciales son impecables y el rotulado está todo hecho a mano. Un gran, gran trabajo de este autor que ya está entre los más completos que tiene hoy el comic yanki.
Off Road no se parece en nada a las novelas gráficas que acumulan premios, prestigio y sesudos análisis por parte de la intelectualidad que revolotea en torno al comic, pero es una obra atractiva, consistente, satisfactoria y sobre todo promisoria, porque es apenas la opera prima de un autor que ya demostró que está decidido a apostar cada vez más fuerte. Y aguante Mr.T!
martes, 25 de septiembre de 2012
25/ 09: FERGUS
Con un libro publicado en Marzo, uno en Abril y uno en Mayo, Diego Agrimbau se convirtió en el protagonista indiscutido (y seguramente involuntario) del primer semestre de 2012, por lo menos en lo que respecta a la edición de autores argentinos. Ahora sacó la adaptación de El Diario de Ana Frank y en Octubre le editan libro nuevo en Francia y el recopilatorio de Cieloalto acá, en Argentina... y todo en editoriales que nunca habían publicado trabajos suyos. Ese es otro indicador del éxito de este autor: no se casa con ninguna editorial... porque casi todas lo convocan!
Fergus, Detective Publicitario es una novela gráfica realizada en 2009 para una editorial francesa que ya no existe, en colaboración con Leonardo Pietro, cómplice de Agrimbau también en Cieloalto. Se trata de una comedia con elementos de thriller y de espionaje, en la que predominan por un lado el clima festivo, exagerado, sin la menor pretensión de realismo (una onda Casanova de Matt Fraction) y por el otro una ambientación absolutamente única, peculiar y sumamente ganchera. Como en muchos de sus trabajos, Agrimbau piensa sus tramas de ciencia-ficción a partir de una idea referida a la ciudad, o al mundo en el que transcurre la historia. Lo vimos en Cieloalto, en La Burbuja de Bertold, en El Gran Lienzo y hasta en esa obra menor que es Planeta Extra: Agrimbau primero te engancha con la ambientación, siempre sugestiva y original, y después con la trama en sí.
El gancho para sumergirse en las páginas de Fergus es, sin dudas, “Esto transcurre en una ciudad donde el marketing y la publicidad dominan todos los aspectos de la vida cotidiana”. Así es como -cuando Agrimbau lo mezcla con logos humanos, barrios enteros hechos de tipografías, publicidad subliminal en los sueños y spam real, no virtual- levanta vuelo un thriller detectivesco bastante trillado. A Fergus lo contratan para encontrar a su amigo Marcel, transformado en logo humano de una gigantesca corporación. Pero los clientes de Fergus quieren encontrar al hombre-logo para hacerlo boleta, porque el tipo es yeta y –sin querer- está arruinando a la empresa a la que simboliza. El protagonista no tiene un pelo de altruista, pero de ahí a entregar a un amigo por un puñado de dólares, hay un abismo.
Fergus, además, tiene otros problemas: el divorcio conflictivo con Ingrid, su ex-esposa (que milita en una célula de resistencia anti- publicidad), y unas horrendas pesadillas, inducidas desde uno de los conglomerados que lo quiere convertir en un spam viviente. Dicho asi, todo parece bastante serio y complejo, pero no. Esto es una gran farsa, un “viva la Pepa” sumamente intenso (porque en 46 páginas pasan un montón de cosas) y por momentos muy gracioso. Yo recuerdo haber leído Fergus en francés, durante una reunión en lo de Diego (en la que –como diría el poeta- “se oían risas y un kilombo de atrás”) y me pareció simpática, pero no cómica. Ahora, con los diálogos 100% argentinos, me reí mucho más.
Y aún así, si no te interesan ni el mundo que habita Fergus ni la trama que lo involucra, te vas a volver loco cuando veas el laburo que hizo Pietro en la faz gráfica de la obra. Las influencias de Pietro son muchas y mezclan a autores argentinos, europeos y yankis. Lo mejor es que no son evidentes. Nada parece “choreado de”. El dibujo de este animalito es un auténtico soplo de aire fresco. Su manejo del color es asombroso, su destreza en la planificación le permite lucirse tanto en las páginas de pocos cuadros (nunca menos de 5) como en las de 10 y sus expresiones faciales y corporales le suman muchísimo a “la actuación” de los personajes. Si me tengo que quedar con una secuencia, me tiro de cabeza a la del sueño limado de Fergus de las páginas 28 a la 30. Ahí Pietro pela chapa de Number One, de bestia fuera de control.
Supongo que cuando a Agrimbau se le ocurrió este universo, pensó –además de esta- varias historias más, que nunca se escribieron ni dibujaron. Una pena, porque es un contexto tan atractivo, tan fértil para cultivar buenas ideas, que uno quiere más historias con esta onda, con Fergus, con Marcel o con quien sea. Lo bueno es que la saga que se llegó a desarrollar para Francia, está editada en Argentina y cualquiera puede acercarse y disfrutarla.
¿Se supone que esto era una crítica? Parece un aviso publicitario... Y bueno, me co-optaron subliminalmente los villanos de la novela gráfica...
Fergus, Detective Publicitario es una novela gráfica realizada en 2009 para una editorial francesa que ya no existe, en colaboración con Leonardo Pietro, cómplice de Agrimbau también en Cieloalto. Se trata de una comedia con elementos de thriller y de espionaje, en la que predominan por un lado el clima festivo, exagerado, sin la menor pretensión de realismo (una onda Casanova de Matt Fraction) y por el otro una ambientación absolutamente única, peculiar y sumamente ganchera. Como en muchos de sus trabajos, Agrimbau piensa sus tramas de ciencia-ficción a partir de una idea referida a la ciudad, o al mundo en el que transcurre la historia. Lo vimos en Cieloalto, en La Burbuja de Bertold, en El Gran Lienzo y hasta en esa obra menor que es Planeta Extra: Agrimbau primero te engancha con la ambientación, siempre sugestiva y original, y después con la trama en sí.
El gancho para sumergirse en las páginas de Fergus es, sin dudas, “Esto transcurre en una ciudad donde el marketing y la publicidad dominan todos los aspectos de la vida cotidiana”. Así es como -cuando Agrimbau lo mezcla con logos humanos, barrios enteros hechos de tipografías, publicidad subliminal en los sueños y spam real, no virtual- levanta vuelo un thriller detectivesco bastante trillado. A Fergus lo contratan para encontrar a su amigo Marcel, transformado en logo humano de una gigantesca corporación. Pero los clientes de Fergus quieren encontrar al hombre-logo para hacerlo boleta, porque el tipo es yeta y –sin querer- está arruinando a la empresa a la que simboliza. El protagonista no tiene un pelo de altruista, pero de ahí a entregar a un amigo por un puñado de dólares, hay un abismo.
Fergus, además, tiene otros problemas: el divorcio conflictivo con Ingrid, su ex-esposa (que milita en una célula de resistencia anti- publicidad), y unas horrendas pesadillas, inducidas desde uno de los conglomerados que lo quiere convertir en un spam viviente. Dicho asi, todo parece bastante serio y complejo, pero no. Esto es una gran farsa, un “viva la Pepa” sumamente intenso (porque en 46 páginas pasan un montón de cosas) y por momentos muy gracioso. Yo recuerdo haber leído Fergus en francés, durante una reunión en lo de Diego (en la que –como diría el poeta- “se oían risas y un kilombo de atrás”) y me pareció simpática, pero no cómica. Ahora, con los diálogos 100% argentinos, me reí mucho más.
Y aún así, si no te interesan ni el mundo que habita Fergus ni la trama que lo involucra, te vas a volver loco cuando veas el laburo que hizo Pietro en la faz gráfica de la obra. Las influencias de Pietro son muchas y mezclan a autores argentinos, europeos y yankis. Lo mejor es que no son evidentes. Nada parece “choreado de”. El dibujo de este animalito es un auténtico soplo de aire fresco. Su manejo del color es asombroso, su destreza en la planificación le permite lucirse tanto en las páginas de pocos cuadros (nunca menos de 5) como en las de 10 y sus expresiones faciales y corporales le suman muchísimo a “la actuación” de los personajes. Si me tengo que quedar con una secuencia, me tiro de cabeza a la del sueño limado de Fergus de las páginas 28 a la 30. Ahí Pietro pela chapa de Number One, de bestia fuera de control.
Supongo que cuando a Agrimbau se le ocurrió este universo, pensó –además de esta- varias historias más, que nunca se escribieron ni dibujaron. Una pena, porque es un contexto tan atractivo, tan fértil para cultivar buenas ideas, que uno quiere más historias con esta onda, con Fergus, con Marcel o con quien sea. Lo bueno es que la saga que se llegó a desarrollar para Francia, está editada en Argentina y cualquiera puede acercarse y disfrutarla.
¿Se supone que esto era una crítica? Parece un aviso publicitario... Y bueno, me co-optaron subliminalmente los villanos de la novela gráfica...
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lunes, 24 de septiembre de 2012
24/ 09: EL MARAVILLOSO VIAJE DEL SEÑOR NIC-NAC Vol.1
¿Sabías este dato? El pionero de nuestra literatura de ciencia-ficción, el científico, docente, literato, poeta, traductor, filósofo y director del Jardín Zoológico de Buenos Aires, el infinito Eduardo Holmberg, fue además el autor de la primera novela en la que alguien viaja a Marte. Y de la primera en la que aparecen robots. La del viaje a Marte es El Maravilloso Viaje del Señor Nic-Nac, una novela de 1875 que ahora reaparece convertida en historieta por Leonardo Kuntscher y Santiago Miret.
Estas 96 páginas de historieta no cubren la totalidad de la novela de Holmberg. Habrá que esperar al Vol.2 a ver si ahí termina, o si hay un Vol.3. Por ahora, es una lectura entretenida. Rara, obviamente, porque Kuntscher respeta el estilo de un escritor que ya era atípico en el Siglo XIX. El guionista le agregó a su adaptación pequeños guiños a otras obras de Holmberg y conservó la impronta fantástica, casi al borde del delirio, que tenía la novela original. El plot de la novela se centra en una conspiración con sede en la Tierra, orquestada por siniestros poderes vinculados a la por entonces naciente industria farmacéutica. Por algún motivo muy rebuscado, a los marciales (no marcianos) les interesa este tema y rápidamente se vinculan esa trama con la de una guerra civil en Marte, entre los Theopolitas y los sophopolitas. Y allí cae el “Señor Nic-Nac”, quien en realidad es Ladislao Kallitz (una especie de alter ego de Eduardo Holmberg), cuya Buenos Aires también se ve atormentada por una cuasi-guerra civil, cuando se produce la sublevación de Carlos Tejedor, quien se oponía a la integración de nuestra ciudad al resto de las provincias argentinas.
O sea que hay runflas políticas, guerras, acción, conflictos en los que se debaten temas científicos y hasta metafísicos y rendijas por las que se cuelan momentos más livianos, casi jocosos. Además de Ladislao Kallitz, hay varios personajes bastante bien desarrollados y lo único realmente negativo a destacar en cuanto al guión es que hay algunas páginas (por suerte no muchas) demasiado sobrecargadas de globos de diálogo y bloques de texto. Después, la trama te puede interesar más o menos, la tonalidad elegida te puede entusiasmar o no, pero no hay mayores tropiezos.
En la faz gráfica, en cambio, sí se evidencian algunos problemas. En los trabajos anteriores que le había visto, descubrí en Santiago Miret a un dibujante sólido, versátil, en el camino correcto hacia un estilo personal. Acá más que los recursos, se le ven las limitaciones, probablemente por una cuestión de tiempos de entrega que no le resultaron cómodos. Algunos primeros planos de Nic-Nac y todos los de los personajes femeninos están perfectos, nos muestran con claridad al mejor Miret. En otras secuencias, sobre todo en la segunda mitad del tomo, se ve un dibujo casi crudo, esquemático, con poca onda, incluso con algún error en la anatomía, cosa que nunca antes había visto en una historieta de este joven autor. Ojalá la segunda parte la pueda producir con un cronograma de entregas más distendido, que le permita generar todas esas páginas con el nivel de sus mejores trabajos. Acá se ven unos cuantos aciertos (el tratamiento del claroscuro, por ejemplo, es inobjetable, al igual que la integración de las referencias fotográficas) pero también se ven viñetas y hasta páginas completas por debajo de lo que Miret demostró que sabe hacer.
Hasta ahora, esto pinta interesante. Cuando salga el Vol.2 veremos cómo sigue.
Estas 96 páginas de historieta no cubren la totalidad de la novela de Holmberg. Habrá que esperar al Vol.2 a ver si ahí termina, o si hay un Vol.3. Por ahora, es una lectura entretenida. Rara, obviamente, porque Kuntscher respeta el estilo de un escritor que ya era atípico en el Siglo XIX. El guionista le agregó a su adaptación pequeños guiños a otras obras de Holmberg y conservó la impronta fantástica, casi al borde del delirio, que tenía la novela original. El plot de la novela se centra en una conspiración con sede en la Tierra, orquestada por siniestros poderes vinculados a la por entonces naciente industria farmacéutica. Por algún motivo muy rebuscado, a los marciales (no marcianos) les interesa este tema y rápidamente se vinculan esa trama con la de una guerra civil en Marte, entre los Theopolitas y los sophopolitas. Y allí cae el “Señor Nic-Nac”, quien en realidad es Ladislao Kallitz (una especie de alter ego de Eduardo Holmberg), cuya Buenos Aires también se ve atormentada por una cuasi-guerra civil, cuando se produce la sublevación de Carlos Tejedor, quien se oponía a la integración de nuestra ciudad al resto de las provincias argentinas.
O sea que hay runflas políticas, guerras, acción, conflictos en los que se debaten temas científicos y hasta metafísicos y rendijas por las que se cuelan momentos más livianos, casi jocosos. Además de Ladislao Kallitz, hay varios personajes bastante bien desarrollados y lo único realmente negativo a destacar en cuanto al guión es que hay algunas páginas (por suerte no muchas) demasiado sobrecargadas de globos de diálogo y bloques de texto. Después, la trama te puede interesar más o menos, la tonalidad elegida te puede entusiasmar o no, pero no hay mayores tropiezos.
En la faz gráfica, en cambio, sí se evidencian algunos problemas. En los trabajos anteriores que le había visto, descubrí en Santiago Miret a un dibujante sólido, versátil, en el camino correcto hacia un estilo personal. Acá más que los recursos, se le ven las limitaciones, probablemente por una cuestión de tiempos de entrega que no le resultaron cómodos. Algunos primeros planos de Nic-Nac y todos los de los personajes femeninos están perfectos, nos muestran con claridad al mejor Miret. En otras secuencias, sobre todo en la segunda mitad del tomo, se ve un dibujo casi crudo, esquemático, con poca onda, incluso con algún error en la anatomía, cosa que nunca antes había visto en una historieta de este joven autor. Ojalá la segunda parte la pueda producir con un cronograma de entregas más distendido, que le permita generar todas esas páginas con el nivel de sus mejores trabajos. Acá se ven unos cuantos aciertos (el tratamiento del claroscuro, por ejemplo, es inobjetable, al igual que la integración de las referencias fotográficas) pero también se ven viñetas y hasta páginas completas por debajo de lo que Miret demostró que sabe hacer.
Hasta ahora, esto pinta interesante. Cuando salga el Vol.2 veremos cómo sigue.
domingo, 23 de septiembre de 2012
23/ 09: HOY NO HAY NADA
Y sí, cambió el clima de golpe, me agarró una congestión espantosa y –por ende- un horrendo dolor de cabeza. Sumémosle el fin de semana largo, que acumula salidas nocturnas y escasas horas de sueño, todas de día, más el partido de Racing (fundamental) y la verdad es que lo último que se me ocurrió en las últimas horas fue sentarme (o acostarme) a leer historietas.
Ayer la piloteamos dignamente con algo que ya venía masticando desde algunos días atrás, y hoy, con nada. Hoy, a tono con el gobierno de Cristina, me invento un feriado que no existe (el cumpleaños de Peter David, ponele, que hoy cumple 56 años) y sigo de largo, hasta mañana. Mañana por ahí tengo más ganas de leer que de meterme una aspiradora en la nariz y absorber de un saque esa especie de Estrella de la Muerte de mocos que debo tener ahí adentro y que no me deja ni pensar.
La vanguardia es así.
Ayer la piloteamos dignamente con algo que ya venía masticando desde algunos días atrás, y hoy, con nada. Hoy, a tono con el gobierno de Cristina, me invento un feriado que no existe (el cumpleaños de Peter David, ponele, que hoy cumple 56 años) y sigo de largo, hasta mañana. Mañana por ahí tengo más ganas de leer que de meterme una aspiradora en la nariz y absorber de un saque esa especie de Estrella de la Muerte de mocos que debo tener ahí adentro y que no me deja ni pensar.
La vanguardia es así.
sábado, 22 de septiembre de 2012
22/ 09: CUESTION DE PLATA
En uno de mis habi-
tuales deli-
rios, me puse a pensar qué comics tendría sólo si fueran gratis. Es decir, cosas que me interesan, pero no como para pagarlas. La primera lista es esta.
La colección completa de Los Pitufos. Tengo algunos tomitos y me gustan, pero no sé si para tenerlo todos. Por ahí se repiten mucho las fórmulas. Ahora, si vienen de arriba, son recontra-bienvenidos.
Largo Winch y Thorgal, completas. Dos series largas de Jean Van Hamme que deben estar copadas pero ya llevan demasiados tomos y deben requerir fortunas para ser completadas. De Thorgal leí algunos álbumes y estaban muy buenos, porque encima los dibuja el maestro Grzegorz Rosinski.
Todo lo de la editorial Bonelli con dibujantes argentinos. No es tanto. Hay cosas de Cacho Madrafina, de Ernesto García Seijas, de Carlitos Gómez... con eso me conformo. El resto de la producción de Bonelli, ni gratis. Por ahí me pierdo alguna joya, pero sé que es un viaje de ida y no me quiero embarcar.
Todo lo de la editorial Fleetway con dibujantes argentinos. Esas historietas bélicas en formato pocket dibujadas por Alberto Breccia, Solano López, Juan Zanotto, Hugo Pratt... eso solo. El resto no me interesa.
Dos series de Vertigo a las que nunca les di pelota y por ahí están buenas, o tienen buenos arcos argumentales: Books of Magic y Lucifer. Eso, gratis, merece una oportunidad.
Los Essentials de dos series clásicas de Marvel: Iron Man y Hulk, para cerciorarme de que las historias de Stan Lee eran tan chotas como yo sospecho que eran.
Amanda, de Robin Wood y Alfredo Falugi. El dibujo me gusta, me llama la atención. La temática no me atrae y la cantidad de años que lleva la serie me da un poquito de pánico. Pero a falta de otras cosas para leer y sin poner un mango, me da para ver qué onda.
Prince Valiant, de Harold Foster. Los dibujos son majestuosos, pero recuerdo haber leído varios episodios en la adolescencia (en la revista Sandokán) y los guiones –sin ser la bosta que me vengo fumando en el Tarzan de Burne Hogarth- eran más bien blanditos. Me gustaría redescubrirlo de grande, sin pagar.
Los álbumes de Spirou que van entre la época de André Franquin y la de Tome & Janry. Todo el mundo dice que son de la B, pero yo le tengo cariño a los personajes y además esas son las primeras aventuras de Spirou que leí de pendejo, cuando las serializaban en Anteojito.
La época clásica de Vampirella, la que dibuja Pepe González. Por los dibujos, obviamente. A los guiones no les tengo fe ni cuando mete mano Archie Goodwin, mirá lo que te digo.
Todo lo que hicieron en la 2000 A.D. Grant Morrison, Peter Milligan y Mark Millar. Algunas cosas salieron recopiladas y me las compré. Pero seguro hay muchas más (probablemente las más flojitas) que nunca vi, o que vi y dije “paso”. Si me las regalaran, les entro sin asco.
Eso como para empezar. Tampoco es tanto, no?
Y bueno, seguro saltará alguno a acotar que desde que tiene banda ancha no paga más por leer comics, porque se baja todo en scans. Sin dudas, el tema guita se soluciona por ese lado, al igual que el tema espacio, porque el comic digitalizado no ocupa ni el 1% del lugar que ocupa el comic en papel. Para la gente que probó esa alternativa y se sintió cómoda (no es mi caso, para nada) todos los comics son gratis. Los que les interesan hasta por ahí nomás y los que los ceban infinitamente. Para ellos el problema no pasa por un presupuesto acotado, sino por algo que también nos afecta a los que compramos sólo en papel: el tiempo.
Porque ponele que viene el genio de la lámpara, una institución benéfica o Julián Weich y me dice “deseo concedido, master”. Me bajan de un mionca 10 ó 15 cajas con todos esos comics que acabo de enumerar y no me cobran un mango. ¿Cuándo carajo los leo? ¿De dónde saco el tiempo para leer cosas que me interesan, pero no tanto como para pagarlas? ¿Voy a leer menos comics de los que sí me emocionaron como para hacerme detonar la billetera? No. ¿Voy a dejar de laburar para leer esa merca? No. ¿Le van a agregar tres horas a mis días, o un día a mis semanas? Tampoco. ¿Entonces? ¿Me sirve conseguir todos esos comics gratis? Hoy, no. El día que no tenga guita para comprar lo que más me atrae y no tenga un carajo para leer, seguro que sí. Vos que te bajás todo de la web, tenelo presente a la hora de downlodear infinitos gigas de material que no te llama mucho la atención, sólo porque está ahí, porque es gratis y puede ser tuyo con sólo apretar un botón.
tuales deli-
rios, me puse a pensar qué comics tendría sólo si fueran gratis. Es decir, cosas que me interesan, pero no como para pagarlas. La primera lista es esta.
La colección completa de Los Pitufos. Tengo algunos tomitos y me gustan, pero no sé si para tenerlo todos. Por ahí se repiten mucho las fórmulas. Ahora, si vienen de arriba, son recontra-bienvenidos.
Largo Winch y Thorgal, completas. Dos series largas de Jean Van Hamme que deben estar copadas pero ya llevan demasiados tomos y deben requerir fortunas para ser completadas. De Thorgal leí algunos álbumes y estaban muy buenos, porque encima los dibuja el maestro Grzegorz Rosinski.
Todo lo de la editorial Bonelli con dibujantes argentinos. No es tanto. Hay cosas de Cacho Madrafina, de Ernesto García Seijas, de Carlitos Gómez... con eso me conformo. El resto de la producción de Bonelli, ni gratis. Por ahí me pierdo alguna joya, pero sé que es un viaje de ida y no me quiero embarcar.
Todo lo de la editorial Fleetway con dibujantes argentinos. Esas historietas bélicas en formato pocket dibujadas por Alberto Breccia, Solano López, Juan Zanotto, Hugo Pratt... eso solo. El resto no me interesa.
Dos series de Vertigo a las que nunca les di pelota y por ahí están buenas, o tienen buenos arcos argumentales: Books of Magic y Lucifer. Eso, gratis, merece una oportunidad.
Los Essentials de dos series clásicas de Marvel: Iron Man y Hulk, para cerciorarme de que las historias de Stan Lee eran tan chotas como yo sospecho que eran.
Amanda, de Robin Wood y Alfredo Falugi. El dibujo me gusta, me llama la atención. La temática no me atrae y la cantidad de años que lleva la serie me da un poquito de pánico. Pero a falta de otras cosas para leer y sin poner un mango, me da para ver qué onda.
Prince Valiant, de Harold Foster. Los dibujos son majestuosos, pero recuerdo haber leído varios episodios en la adolescencia (en la revista Sandokán) y los guiones –sin ser la bosta que me vengo fumando en el Tarzan de Burne Hogarth- eran más bien blanditos. Me gustaría redescubrirlo de grande, sin pagar.
Los álbumes de Spirou que van entre la época de André Franquin y la de Tome & Janry. Todo el mundo dice que son de la B, pero yo le tengo cariño a los personajes y además esas son las primeras aventuras de Spirou que leí de pendejo, cuando las serializaban en Anteojito.
La época clásica de Vampirella, la que dibuja Pepe González. Por los dibujos, obviamente. A los guiones no les tengo fe ni cuando mete mano Archie Goodwin, mirá lo que te digo.
Todo lo que hicieron en la 2000 A.D. Grant Morrison, Peter Milligan y Mark Millar. Algunas cosas salieron recopiladas y me las compré. Pero seguro hay muchas más (probablemente las más flojitas) que nunca vi, o que vi y dije “paso”. Si me las regalaran, les entro sin asco.
Eso como para empezar. Tampoco es tanto, no?
Y bueno, seguro saltará alguno a acotar que desde que tiene banda ancha no paga más por leer comics, porque se baja todo en scans. Sin dudas, el tema guita se soluciona por ese lado, al igual que el tema espacio, porque el comic digitalizado no ocupa ni el 1% del lugar que ocupa el comic en papel. Para la gente que probó esa alternativa y se sintió cómoda (no es mi caso, para nada) todos los comics son gratis. Los que les interesan hasta por ahí nomás y los que los ceban infinitamente. Para ellos el problema no pasa por un presupuesto acotado, sino por algo que también nos afecta a los que compramos sólo en papel: el tiempo.
Porque ponele que viene el genio de la lámpara, una institución benéfica o Julián Weich y me dice “deseo concedido, master”. Me bajan de un mionca 10 ó 15 cajas con todos esos comics que acabo de enumerar y no me cobran un mango. ¿Cuándo carajo los leo? ¿De dónde saco el tiempo para leer cosas que me interesan, pero no tanto como para pagarlas? ¿Voy a leer menos comics de los que sí me emocionaron como para hacerme detonar la billetera? No. ¿Voy a dejar de laburar para leer esa merca? No. ¿Le van a agregar tres horas a mis días, o un día a mis semanas? Tampoco. ¿Entonces? ¿Me sirve conseguir todos esos comics gratis? Hoy, no. El día que no tenga guita para comprar lo que más me atrae y no tenga un carajo para leer, seguro que sí. Vos que te bajás todo de la web, tenelo presente a la hora de downlodear infinitos gigas de material que no te llama mucho la atención, sólo porque está ahí, porque es gratis y puede ser tuyo con sólo apretar un botón.
viernes, 21 de septiembre de 2012
21/ 09: REGRESO A ARKHAM
Este libro es raro. Por un lado está bueno, porque siempre es positivo que los lectores de Cazador sepan que Jorge Lucas y Claudio Ramírez pueden hacer otras cosas, además de las tropelías bastante atroces y bastante reiterativas que le vimos protagonizar en los ´90 al Paladín de las Puteadas. Por el otro, a la variante que deciden explorar Jorge y Claudio, que es la de las historias cortas de terror al estilo Creepy, Dr. Tetrik y demás antologías setentosas, se le nota mucho la pasión y no tanto el brillo.
El libro respeta la estructura de aquel número 27 de Cazador y de hecho lo republica en su integridad, aunque remixado. Aquellas 28 páginas aparecen en este tomo, en distinto orden y en blanco y negro. Y el truco de hilvanar historias cortas con una secuencia en la que Cazador narra estos relatos a unos pibes kilomberos se extiende en páginas dibujadas ad hoc, para presentar otras historias cortas, realizadas por Lucas y Ramírez para otras publicaciones. Vamos a obviar las secuencias “nexo”, para centrarnos en los relatos breves.
El Asilo Siniestro, de Ramírez, está bien dibujada, pero el guión es la nada misma, apenas un puñado de lugares comunes, vulgarmente rejuntados. Herbert West, Reanimador de la Oscuridad, es el famoso cuento de H.P. Lovecraft adaptado por Lucas. La historieta tiene muchísimo texto (por ahí quedaba mejor con un par de páginas más) y está dibujada a un nivel altísimo, incluso con un bellísimo homenaje al Frankenstein de Bernie Wrightson. “El Gallego” Ramírez vuelve a la carga con Una Alianza Macabra, donde se nos narra el origen del enésimo monstruo imparable creado en los laboratorios de los científicos nazis en los días finales del Tercer Reich. Estaba bueno como origen para un enemigo de Cazador, o algo así. Como historia en sí misma, es muy predecible. El dibujo, impecable, eso sí. Y en su siguiente turno, Lucas mete la historieta del Cazador yanki que ya habíamos visto el año pasado en el Vol.1 de Etnica. Acá nos (re) encontramos con un guión breve pero muy digno, con alguna intención de trascender la mera machaca entre el protagonista y un bicho alienígena y un dibujo muy virado al estilo de Jack Kirby, con mucho dinamismo.
Las siguientes 24 páginas son las del infausto número 27 de Cazador, pero en blanco y negro. Acá vemos al antihéroe racinguista putear, matar, destripar, comerse cadáveres y hasta extorsionar a una minita para abordarla carnalmente. Es una orgía de sangre, gore y guarangadas, totalmente irredimible aunque en algún momento, alguna sonrisa te roba. Por supuesto, enseguida te avergonzás de que algo tan atroz te cause gracia.
Las Ratas del Cementerio es otro cuento clásico adaptado por Lucas, y otro trabajo visualmente increíble, con un montón de referencias fotográficas muy bien integradas al dibujo y algún homenaje (o choreo, andá a saber) al Viejo Breccia. La Ciudad de la Noche Eterna es otra historia corta de Ramírez, que funcionaría mejor si fuera un chiste largo, de dos o tres páginas. Como está bien dibujada, no molesta que esté estirada. La adaptación de El Sabueso que ofrece a continuación Lucas (también de aquel n° 27 del Cazita) tiene buen ritmo pero acá sí, la referencia fotográfica le gana definitivamente el protagonismo al dibujo y la historieta termina por verse como un pastiche de fotos apenas disimulado. Y esto se acaba con La Estirpe Maldita (otra del n° 27), donde Lucas y Ramírez realizan a cuatro manos una historieta muy interesante, con buen guión y un muy buen tratamiento gráfico, de nuevo con las fotos mucho mejor integradas al dibujo. Le hubiesen venido bárbaro tres o cuatro páginas más, para redondear mejor la conexión entre esta nueva historia y el origen del Cazador que se narró allá por el n° 7, pero está muy bien.
Obviamente el impactante éxito de este libro se apoya en el fanatismo que aún hoy genera Cazador. No creo que los fans del terror clásico se ceben demasiado con la propuesta, porque la verdad es que faltan guiones a la altura de los buenos dibujos que pelan Lucas y Ramírez. A falta de argumentos propios, Jorge recurre a la adaptación de cuentos ajenos y lo hace bien, pero el fan de las adaptaciones literarias seguramente se volcará por un Breccia o un Lalia y no se copará con las escenas en joda en las que aparece Cazador haciendo gala de su violencia extrema, su machismo revulsivo y su humor de letrina. Igual está piola que se hayan rescatado las historietas más civilizadas de esta dupla de salvajes, que sin duda dejaron su marca en la historia de nuestro Noveno Arte.
El libro respeta la estructura de aquel número 27 de Cazador y de hecho lo republica en su integridad, aunque remixado. Aquellas 28 páginas aparecen en este tomo, en distinto orden y en blanco y negro. Y el truco de hilvanar historias cortas con una secuencia en la que Cazador narra estos relatos a unos pibes kilomberos se extiende en páginas dibujadas ad hoc, para presentar otras historias cortas, realizadas por Lucas y Ramírez para otras publicaciones. Vamos a obviar las secuencias “nexo”, para centrarnos en los relatos breves.
El Asilo Siniestro, de Ramírez, está bien dibujada, pero el guión es la nada misma, apenas un puñado de lugares comunes, vulgarmente rejuntados. Herbert West, Reanimador de la Oscuridad, es el famoso cuento de H.P. Lovecraft adaptado por Lucas. La historieta tiene muchísimo texto (por ahí quedaba mejor con un par de páginas más) y está dibujada a un nivel altísimo, incluso con un bellísimo homenaje al Frankenstein de Bernie Wrightson. “El Gallego” Ramírez vuelve a la carga con Una Alianza Macabra, donde se nos narra el origen del enésimo monstruo imparable creado en los laboratorios de los científicos nazis en los días finales del Tercer Reich. Estaba bueno como origen para un enemigo de Cazador, o algo así. Como historia en sí misma, es muy predecible. El dibujo, impecable, eso sí. Y en su siguiente turno, Lucas mete la historieta del Cazador yanki que ya habíamos visto el año pasado en el Vol.1 de Etnica. Acá nos (re) encontramos con un guión breve pero muy digno, con alguna intención de trascender la mera machaca entre el protagonista y un bicho alienígena y un dibujo muy virado al estilo de Jack Kirby, con mucho dinamismo.
Las siguientes 24 páginas son las del infausto número 27 de Cazador, pero en blanco y negro. Acá vemos al antihéroe racinguista putear, matar, destripar, comerse cadáveres y hasta extorsionar a una minita para abordarla carnalmente. Es una orgía de sangre, gore y guarangadas, totalmente irredimible aunque en algún momento, alguna sonrisa te roba. Por supuesto, enseguida te avergonzás de que algo tan atroz te cause gracia.
Las Ratas del Cementerio es otro cuento clásico adaptado por Lucas, y otro trabajo visualmente increíble, con un montón de referencias fotográficas muy bien integradas al dibujo y algún homenaje (o choreo, andá a saber) al Viejo Breccia. La Ciudad de la Noche Eterna es otra historia corta de Ramírez, que funcionaría mejor si fuera un chiste largo, de dos o tres páginas. Como está bien dibujada, no molesta que esté estirada. La adaptación de El Sabueso que ofrece a continuación Lucas (también de aquel n° 27 del Cazita) tiene buen ritmo pero acá sí, la referencia fotográfica le gana definitivamente el protagonismo al dibujo y la historieta termina por verse como un pastiche de fotos apenas disimulado. Y esto se acaba con La Estirpe Maldita (otra del n° 27), donde Lucas y Ramírez realizan a cuatro manos una historieta muy interesante, con buen guión y un muy buen tratamiento gráfico, de nuevo con las fotos mucho mejor integradas al dibujo. Le hubiesen venido bárbaro tres o cuatro páginas más, para redondear mejor la conexión entre esta nueva historia y el origen del Cazador que se narró allá por el n° 7, pero está muy bien.
Obviamente el impactante éxito de este libro se apoya en el fanatismo que aún hoy genera Cazador. No creo que los fans del terror clásico se ceben demasiado con la propuesta, porque la verdad es que faltan guiones a la altura de los buenos dibujos que pelan Lucas y Ramírez. A falta de argumentos propios, Jorge recurre a la adaptación de cuentos ajenos y lo hace bien, pero el fan de las adaptaciones literarias seguramente se volcará por un Breccia o un Lalia y no se copará con las escenas en joda en las que aparece Cazador haciendo gala de su violencia extrema, su machismo revulsivo y su humor de letrina. Igual está piola que se hayan rescatado las historietas más civilizadas de esta dupla de salvajes, que sin duda dejaron su marca en la historia de nuestro Noveno Arte.
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Jorge Lucas
jueves, 20 de septiembre de 2012
20/ 09: TARZAN Vol.14
Bueno, cuando ya me quedaban menos esperanzas que a los hinchas de Independiente, me encontré con un tomo de Tarzan en el que los guiones mejoran un poco respecto de la sarta de pelotudeces que me había tenido que fumar en los tomos anteriores. Por supuesto, al lado de cualquier comic de hoy, o incluso de los comics bien escritos de aquella época (1944-45), estos guiones “mejores” siguen en un nivel de pedorro para abajo. Pero algunos sufrimientos nos ahorramos, lo cual no es poco, si pensamos en las penurias que hubo que atravesar con estoicismo y resignación para llegar hasta acá.
La vez pasada, el capo de la monada estaba intentando que el resto no hiciera boleta a Bulak, un simio de pelaje blanco, estigmatizado por el gorilaje. Ese plot, en vez de resolverse, interesecta con otro. Una saga extensa y bastante ambiciosa interrumpe una trama bastante ridícula y la absorbe, porque Tarzan, Bulak y varios de los monos tienen roles reservados en esta historia que el maestro Burne Hogarth y sus anónimos guionistas nos narrarán a lo largo de 28 planchas.
Acá los malos son los nazis, aliados a un japonés con cara de garca que casi no pincha ni corta, y decididos a rosquear con una especie de jeque árabe (¿qué carajo hacía un jeque árabe en la jungla africana?) para quedarse con vastas extensiones de tierra ricas en petróleo. El jeque, por supuesto, negocia con los malos a espaldas de su pueblo, al que tiene distraído no con famosas de cuarta que bailan en el caño, sino con un coliseo en el que se enfrentan varias fieras salvajes cagadas de hambre. Tarzan y Bulak, capturados por los esbirros del jeque, están entre las bestias que van a combatir en el coliseo. Pero Lord Greystoke, que es amigo de muchos de los cuadrúpedos cautivos, los convence para que no se maten entre sí y hagan causa común contra el jeque. De liderar a las fieras, Tarzan pasa al toque a liderar a los ciudadanos en una revolución para derrocar al jeque, y de ahí a un ataque contra los pozos de petróleo controlados por los soldaditos del führer, que deben emprender la retirada, con otra derrota bajo el brazo. Nada de lo que pasa es muy lógico, pero por lo menos hay un sentido, una intención de decir algo más o menos relevante (“guarda, muchachos de Medio Oriente, no entren en la runfla con los nazis, que van a salir perdiendo”) y son 28 páginas que van en una única dirección, sin volantazos fumados.
La siguiente saga es más breve, sólo 16 páginas, y esta vez, en lugar de transplantar a los pagos de Tarzan a villanos que amenazaban a Europa y EEUU, la saga explota dos elementos misteriosos de la propia Africa: los pigmeos y el mítico Mokele-Mbembe, ese saurio inmenso, probablemente un sobreviviente de la época de los dinosaurios, que –se dice- habita en la jungla aún hoy. Acá tiene otro nombre (Goru-Bongara) y por supuesto muere a manos de Tarzan, que es el único que no le tiene miedo. No es una mala historia, dentro de todo. Y sobre el final del tomo, arranca un tercer arco, el de los tártaros, que se resolverá en el próximo libro y que tiene algo que hasta ahora no habíamos visto: entre tanta salvajada y tanta testosterona, un poquito de protagonismo para la sugestiva Lurulai, una minita con la que Tarzan había pegado onda en la saguita de los pigmeos.
Si todavía no lo hiciste, imaginate el combate entre Tarzan y una especie de dinosaurio dibujado por Hogarth. Bueno, ahora cambiate la ropa interior e imaginate la escena en la que Tantor el elefante y bocha de animales más embisten contra el coliseo del jeque y lo derrumban. Aunque los guiones sean medio frutihortícolas, ver a Hogarth dibujar esas animaladas es un placer infinito. La explosión del arsenal de los nazis, también, te pone los pelos de punta. Para esta época, el Miguel Angel de la historieta ya estaba muy, muy inspirado y pelaba en esas viñetitas chiquitas lo que pocos pelarían en esa y otras décadas. Si te gusta Gil Kane, vas a ver muchas imágenes que luego el prócer reciclaría en sus historietas. Y si te gusta el dibujo académico-realista, sabés que a Hogarth no hay con qué darle.
De nuevo, estoy un tomo más cerca de terminar el Tarzan de Hogarth. Sólo que esta vez me maltrataron un poquito menos los guiones y eso hay que festejarlo. Me largaría a colgarme en calzoncillos de los cables de tensión, pero hace un poquito de frío...
La vez pasada, el capo de la monada estaba intentando que el resto no hiciera boleta a Bulak, un simio de pelaje blanco, estigmatizado por el gorilaje. Ese plot, en vez de resolverse, interesecta con otro. Una saga extensa y bastante ambiciosa interrumpe una trama bastante ridícula y la absorbe, porque Tarzan, Bulak y varios de los monos tienen roles reservados en esta historia que el maestro Burne Hogarth y sus anónimos guionistas nos narrarán a lo largo de 28 planchas.
Acá los malos son los nazis, aliados a un japonés con cara de garca que casi no pincha ni corta, y decididos a rosquear con una especie de jeque árabe (¿qué carajo hacía un jeque árabe en la jungla africana?) para quedarse con vastas extensiones de tierra ricas en petróleo. El jeque, por supuesto, negocia con los malos a espaldas de su pueblo, al que tiene distraído no con famosas de cuarta que bailan en el caño, sino con un coliseo en el que se enfrentan varias fieras salvajes cagadas de hambre. Tarzan y Bulak, capturados por los esbirros del jeque, están entre las bestias que van a combatir en el coliseo. Pero Lord Greystoke, que es amigo de muchos de los cuadrúpedos cautivos, los convence para que no se maten entre sí y hagan causa común contra el jeque. De liderar a las fieras, Tarzan pasa al toque a liderar a los ciudadanos en una revolución para derrocar al jeque, y de ahí a un ataque contra los pozos de petróleo controlados por los soldaditos del führer, que deben emprender la retirada, con otra derrota bajo el brazo. Nada de lo que pasa es muy lógico, pero por lo menos hay un sentido, una intención de decir algo más o menos relevante (“guarda, muchachos de Medio Oriente, no entren en la runfla con los nazis, que van a salir perdiendo”) y son 28 páginas que van en una única dirección, sin volantazos fumados.
La siguiente saga es más breve, sólo 16 páginas, y esta vez, en lugar de transplantar a los pagos de Tarzan a villanos que amenazaban a Europa y EEUU, la saga explota dos elementos misteriosos de la propia Africa: los pigmeos y el mítico Mokele-Mbembe, ese saurio inmenso, probablemente un sobreviviente de la época de los dinosaurios, que –se dice- habita en la jungla aún hoy. Acá tiene otro nombre (Goru-Bongara) y por supuesto muere a manos de Tarzan, que es el único que no le tiene miedo. No es una mala historia, dentro de todo. Y sobre el final del tomo, arranca un tercer arco, el de los tártaros, que se resolverá en el próximo libro y que tiene algo que hasta ahora no habíamos visto: entre tanta salvajada y tanta testosterona, un poquito de protagonismo para la sugestiva Lurulai, una minita con la que Tarzan había pegado onda en la saguita de los pigmeos.
Si todavía no lo hiciste, imaginate el combate entre Tarzan y una especie de dinosaurio dibujado por Hogarth. Bueno, ahora cambiate la ropa interior e imaginate la escena en la que Tantor el elefante y bocha de animales más embisten contra el coliseo del jeque y lo derrumban. Aunque los guiones sean medio frutihortícolas, ver a Hogarth dibujar esas animaladas es un placer infinito. La explosión del arsenal de los nazis, también, te pone los pelos de punta. Para esta época, el Miguel Angel de la historieta ya estaba muy, muy inspirado y pelaba en esas viñetitas chiquitas lo que pocos pelarían en esa y otras décadas. Si te gusta Gil Kane, vas a ver muchas imágenes que luego el prócer reciclaría en sus historietas. Y si te gusta el dibujo académico-realista, sabés que a Hogarth no hay con qué darle.
De nuevo, estoy un tomo más cerca de terminar el Tarzan de Hogarth. Sólo que esta vez me maltrataron un poquito menos los guiones y eso hay que festejarlo. Me largaría a colgarme en calzoncillos de los cables de tensión, pero hace un poquito de frío...
miércoles, 19 de septiembre de 2012
19/ 09: JIM, JAM & EL OTRO Vol.2
Segundo recopilato-
rio para la tira con la que Max Aguirre (uno de los auto-
res más versátiles y completos que tiene la historieta argentina) nos deleita hace casi cinco años en la con-
tratapa de La Nación.
La verdad es que, leída en libro, la tira mejora mucho. La posibilidad de leer de un saque lo que Max publica en el house organ de la oligarquía a lo largo de unos... 250 días es realmente enriquecedora, porque se aprecia mucho más el armado, la estructura, el hecho de que el autor no está viendo cada día con qué zafa ese día, sino que tiene un plan. Un plan que a veces es una pequeña historia a desarrollar en varias tiras y a veces es simplemente la intención de terminar de redondear, o de agregarle una capa más de complejidad, a alguno de los tres personajes protagónicos.
A grandes rasgos, Jim, Jam & el Otro es una tira seinfeldeana: humor costumbrista muy afilado, basado en un gran sentido de la observación y un ingenio inagotable para el juego de palabras, y mucho énfasis en la vida, las fantasías, los cuelgues, los romances y las miserias de tres tipos de treintaipico tan distintos entre sí que no se explica cómo carajo son amigos. A esa “fórmula” (por llamarla de alguna manera), Aguirre le agrega dos bizarreadas extremas, muy personales y totalmente irrepetibles.
Una le sale bárbaro y es la que consiste e intercalar las tiras ambientadas en el presente con tiras en las que los protagonistas no tienen treintaipico sino 10, y tiras en las que tienen 80. Esto abre muchísimo el juego y multiplica exponencialmente las posibilidades cómicas de la serie. La otra no me gusta para nada, me parece un artificio muy forzado, muy incómodo, muy traído de los pelos. Me refiero al hecho de que nunca sepamos quién es Jim, quién es Jam y cómo carajo se llama el Otro. Los personajes, a los que –con dos recopliatorios ya leídos- conocemos en profundidad, no tienen nombre y eso a mí no me cierra para nada. Funcionaba bien en una tira surrealista como Juan y el Preguntón (Bróccoli nunca explicó quién era Juan y quién el Preguntón), pero acá hace demasiado ruido. Ni siquiera los personajes secundarios que se suman en este tomo (el gato, las novias del narigón y el pelado, el sobrino del de los pelos parados) tienen nombre. Supongo que a Max eso le debe parecer muy gracioso. A mí, ni un poquito.
Por suerte, fuera de ese detalle, a la tira le sobran argumentos para hacernos reir, sonreir y pensar. Y como si eso fuera poco, está el valor agregado de un dibujo sólido, sin fisuras, donde se ve el talento de Aguirre para dibujar de todo: calles, subtes, cines, plazas, detalles en la vestimenta, en los muebles, cabecitas que hablan, cuerpos que se mueven, mini-tiras que pasan por abajo de la tira principal, y todo con mucha onda, con mucha imaginación y con un estilo muy reader-friendly, casi “delicado”, muy accesible para el que no sabe nada de historieta y cree que las tiras de los diarios no son historietas, sino “chistes”.
Cuando manejás perfectamente el timing de la comedia, el único impedimento que te podés encontrar para bancar una tira cómica 365 días al año es que no se te ocurran situaciones graciosas. Pero al agregar cada tanto personajes nuevos y al permitirse explorar en paralelo la niñez y la vejez de su “protagonista tripartito” (como define el autor a los personajes centrales de la tira), Max Aguirre cultivó un campo virtualmente inagotable de situaciones ricas y novedosas para jugar, divertirse y hacer que nosotros también nos divirtamos. Ojalá que Pictus -la nueva editorial que acogió a este trío tras aquel ya lejano paso por Sudamericana- le apueste fuerte a los recopilatorios y pronto podamos leer material de los años más recientes.
rio para la tira con la que Max Aguirre (uno de los auto-
res más versátiles y completos que tiene la historieta argentina) nos deleita hace casi cinco años en la con-
tratapa de La Nación.
La verdad es que, leída en libro, la tira mejora mucho. La posibilidad de leer de un saque lo que Max publica en el house organ de la oligarquía a lo largo de unos... 250 días es realmente enriquecedora, porque se aprecia mucho más el armado, la estructura, el hecho de que el autor no está viendo cada día con qué zafa ese día, sino que tiene un plan. Un plan que a veces es una pequeña historia a desarrollar en varias tiras y a veces es simplemente la intención de terminar de redondear, o de agregarle una capa más de complejidad, a alguno de los tres personajes protagónicos.
A grandes rasgos, Jim, Jam & el Otro es una tira seinfeldeana: humor costumbrista muy afilado, basado en un gran sentido de la observación y un ingenio inagotable para el juego de palabras, y mucho énfasis en la vida, las fantasías, los cuelgues, los romances y las miserias de tres tipos de treintaipico tan distintos entre sí que no se explica cómo carajo son amigos. A esa “fórmula” (por llamarla de alguna manera), Aguirre le agrega dos bizarreadas extremas, muy personales y totalmente irrepetibles.
Una le sale bárbaro y es la que consiste e intercalar las tiras ambientadas en el presente con tiras en las que los protagonistas no tienen treintaipico sino 10, y tiras en las que tienen 80. Esto abre muchísimo el juego y multiplica exponencialmente las posibilidades cómicas de la serie. La otra no me gusta para nada, me parece un artificio muy forzado, muy incómodo, muy traído de los pelos. Me refiero al hecho de que nunca sepamos quién es Jim, quién es Jam y cómo carajo se llama el Otro. Los personajes, a los que –con dos recopliatorios ya leídos- conocemos en profundidad, no tienen nombre y eso a mí no me cierra para nada. Funcionaba bien en una tira surrealista como Juan y el Preguntón (Bróccoli nunca explicó quién era Juan y quién el Preguntón), pero acá hace demasiado ruido. Ni siquiera los personajes secundarios que se suman en este tomo (el gato, las novias del narigón y el pelado, el sobrino del de los pelos parados) tienen nombre. Supongo que a Max eso le debe parecer muy gracioso. A mí, ni un poquito.
Por suerte, fuera de ese detalle, a la tira le sobran argumentos para hacernos reir, sonreir y pensar. Y como si eso fuera poco, está el valor agregado de un dibujo sólido, sin fisuras, donde se ve el talento de Aguirre para dibujar de todo: calles, subtes, cines, plazas, detalles en la vestimenta, en los muebles, cabecitas que hablan, cuerpos que se mueven, mini-tiras que pasan por abajo de la tira principal, y todo con mucha onda, con mucha imaginación y con un estilo muy reader-friendly, casi “delicado”, muy accesible para el que no sabe nada de historieta y cree que las tiras de los diarios no son historietas, sino “chistes”.
Cuando manejás perfectamente el timing de la comedia, el único impedimento que te podés encontrar para bancar una tira cómica 365 días al año es que no se te ocurran situaciones graciosas. Pero al agregar cada tanto personajes nuevos y al permitirse explorar en paralelo la niñez y la vejez de su “protagonista tripartito” (como define el autor a los personajes centrales de la tira), Max Aguirre cultivó un campo virtualmente inagotable de situaciones ricas y novedosas para jugar, divertirse y hacer que nosotros también nos divirtamos. Ojalá que Pictus -la nueva editorial que acogió a este trío tras aquel ya lejano paso por Sudamericana- le apueste fuerte a los recopilatorios y pronto podamos leer material de los años más recientes.
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martes, 18 de septiembre de 2012
18/ 09: ESCUELA DE MONSTRUOS Vol.1
El periplo hacia la consagra-
ción de El Bruno fue bastante raro: empezó (como casi todos) en el under, de ahí pasó a trabajar para editoriales de Ingla-
terra, y finalmente en 2009 hizo pie en el mercado argentino, cuando debutó en la revista Billiken, a la que prácticamente le cambió la cara con sus portadas y con la historieta que hoy nos ocupa.
Escuela de Monstruos tiene un “problema”: se le nota demasiado la pasta de hitazo. Es un concepto tan ganchero, tan atractivo, tan comercial, que es increíble que a nadie se le haya ocurrido antes que a Mauro Serafini (que así se llama El Bruno). Es algo que lo ves y automáticamente decís “No puede fallar”. Incluso con un dibujante mediocre, incluso sin lograr un equilibrio razonable entre la aventura y el humor, la idea detrás de Escuela de Monstruos es absolutamente insumergible. Después, se puede plasmar mejor o peor, pero siempre partiendo de la base de que el éxito está garantizado por la fuerza de la idea.
Felizmente, la idea está MUY bien plasmada por El Bruno. Los personajes están bien delineados, bien elegidos. Las situaciones son cómicas y originales, llenas de elementos que nunca habían aparecido en otras historietas infantiles. Cada tanto Tomás y sus compañeros viven aventuras hechas y derechas, con peligros y emociones fuertes, aunque sin descuidar el clima festivo. Por ahí falta ajustar un poquito los diálogos, desacartonarlos, o hacerlos más ingeniosos, no sé. Darles una vueltita más, que los haga más importantes en el combo de la serie.
Lo más atractivo es el contraste entre –por un lado- una estética limpita, redondita, re de Cartoon Network, ideal para contar historias livianitas, centradas en el humor; y por el otro, una ambientación lúgubre, donde priman los castillos desolados, los cementerios, las catacumbas y las cocinas infestadas de cucarachas. El Bruno le saca muy buen jugo a estos dos polos opuestos y logra una historieta repleta de los tópicos del terror, pero que no tiene en ningún momento la intención de asustar a los chicos que la consumen.
No quiero contar mucho más de los argumentos. Me quedo con las maravillas del dibujo, que son muchísimas. Y con las ganas de que el próximo tomo recopilatorio traiga más páginas! Este tiene sólo 44 páginas de historieta, mientras que El Bruno produce más de 100 por año. Si pensamos que la serie arrancó a principios de 2009, ya estamos unos seis tomos atrás de lo que leyeron semana a semana los chicos que compran la Billiken. Es un poco mucho, sobre todo por la cantidad de fans de la historieta que no leemos la Billiken pero queremos tener cualquier cosa escrita y dibujada por El Bruno, un monstruo de (poca) carne y hueso que supo ganarse una cuantiosa legión de fans. La próxima vez que le reces a Cthulhu, pedile que salga pronto el Vol.2 de esta serie. Mentile, decile que la querés para regalársela a tu sobrinito, a tu hijito, o al hijo de algún amigo...
ción de El Bruno fue bastante raro: empezó (como casi todos) en el under, de ahí pasó a trabajar para editoriales de Ingla-
terra, y finalmente en 2009 hizo pie en el mercado argentino, cuando debutó en la revista Billiken, a la que prácticamente le cambió la cara con sus portadas y con la historieta que hoy nos ocupa.
Escuela de Monstruos tiene un “problema”: se le nota demasiado la pasta de hitazo. Es un concepto tan ganchero, tan atractivo, tan comercial, que es increíble que a nadie se le haya ocurrido antes que a Mauro Serafini (que así se llama El Bruno). Es algo que lo ves y automáticamente decís “No puede fallar”. Incluso con un dibujante mediocre, incluso sin lograr un equilibrio razonable entre la aventura y el humor, la idea detrás de Escuela de Monstruos es absolutamente insumergible. Después, se puede plasmar mejor o peor, pero siempre partiendo de la base de que el éxito está garantizado por la fuerza de la idea.
Felizmente, la idea está MUY bien plasmada por El Bruno. Los personajes están bien delineados, bien elegidos. Las situaciones son cómicas y originales, llenas de elementos que nunca habían aparecido en otras historietas infantiles. Cada tanto Tomás y sus compañeros viven aventuras hechas y derechas, con peligros y emociones fuertes, aunque sin descuidar el clima festivo. Por ahí falta ajustar un poquito los diálogos, desacartonarlos, o hacerlos más ingeniosos, no sé. Darles una vueltita más, que los haga más importantes en el combo de la serie.
Lo más atractivo es el contraste entre –por un lado- una estética limpita, redondita, re de Cartoon Network, ideal para contar historias livianitas, centradas en el humor; y por el otro, una ambientación lúgubre, donde priman los castillos desolados, los cementerios, las catacumbas y las cocinas infestadas de cucarachas. El Bruno le saca muy buen jugo a estos dos polos opuestos y logra una historieta repleta de los tópicos del terror, pero que no tiene en ningún momento la intención de asustar a los chicos que la consumen.
No quiero contar mucho más de los argumentos. Me quedo con las maravillas del dibujo, que son muchísimas. Y con las ganas de que el próximo tomo recopilatorio traiga más páginas! Este tiene sólo 44 páginas de historieta, mientras que El Bruno produce más de 100 por año. Si pensamos que la serie arrancó a principios de 2009, ya estamos unos seis tomos atrás de lo que leyeron semana a semana los chicos que compran la Billiken. Es un poco mucho, sobre todo por la cantidad de fans de la historieta que no leemos la Billiken pero queremos tener cualquier cosa escrita y dibujada por El Bruno, un monstruo de (poca) carne y hueso que supo ganarse una cuantiosa legión de fans. La próxima vez que le reces a Cthulhu, pedile que salga pronto el Vol.2 de esta serie. Mentile, decile que la querés para regalársela a tu sobrinito, a tu hijito, o al hijo de algún amigo...
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lunes, 17 de septiembre de 2012
17/ 09: HELLBLAZER: PHANTOM PAINS
Nuevo tomo de Hellblazer y, predeciblemente, no está al nivel demoledor del tomo anterior. Era muy difícil bancar los trapos después de aquel final increíble que Peter Milligan conjuró en Bloody Carnations. Phantom Pains es un muy buen arco argumental, pero de ahí a hacerle el aguante a la saga inmediatamente anterior, hay un abismo.
Los dos unitarios que dibuja Simon “La Bestia” Bisley son uno más grosso que el otro. Son, casualmente, los episodios en los que Milligan retoma la ilustre tradición de meterse con temas socio-políticos urticantes, y darles un twist jodido y sobrenatural. Para el unitario que transcurre en la cárcel, además, el guionista retoma a Julian, el demonio que boleteó a Phoebe, la médica con la que salía John en Hooked (lo vimos en Enero de este año). En ambos episodios la Bestia abusa un poquito de los primeros planos, pero su trazo está tan inspirado y se ve todo tan bien, tan sórdido, tan escabroso, que no jode para nada. Porque además, cuando tiene que pelar, Bisley pela figuras enteras, fondos, secuencias de acción al palo, besos incandescentes y todo el gore que puede soportar un comic de Vertigo.
Dentro de la saga central, hay un episodio protagonizado por Gemma (la sobrina de John), en el que Giuseppe Camuncoli es reemplazado por Gael Bertrand, un dibujante francés muy, muy bueno, con un sólo problema: si Camuncoli se zarpa y dibuja a John con rasgos de un tipo de 30, Bertrand se va más al carajo y lo dibuja como si tuviera 23. En los capítulos restantes, Camuncoli mantiene arriba su nivel, con páginas y secuencias memorables, cada vez mejor ensamblado con el entintador Stefano Landini y la colorista Trish Mulvihill. Es muy loco cómo un dibujante con un trazo tan prolijo, tan claro, tan lindo, logra conjurar imágenes tan aterradoras, tan perturbadoras y tan truculentas.
El argumento de Phantom Pains... bah, creo que en realidad hay dos argumentos, los dos basados en cosas muy heavies que pasaron en el tomo anterior. Por un lado, John se propone recuperar el pulgar izquierdo, que él mismo se cortó cuando se volvió loco. Por el otro, Gemma va a buscar venganza contra su tío por una atrocidad que cometió... el gemelo diabólico de su tío. Y las líneas argumentales no se cruzan, eh? No hay una única resolución para ambos conflictos. Lo del dedo de John se resuelve... casi 45 páginas antes que lo de la venganza de Gemma, y por vías totalmente distintas. O sea que la consigna de Milligan para este tomo era volver para atrás dos sacudones bastante grossos que le había pegado a la serie en el tomo anterior.
Asimismo, y como parte del plot de la venganza de Gemma, en este tomo John pierde no una extremidad, pero casi: su mítico impermeable, ese que lo acompañó al Averno y más allá desde mediados de los ´80, cuando era un personaje secundario de Swamp Thing. Si esto sigue una lógica, en la próxima saga el ídolo se meterá en un kilombo marca Cañón para recuperar su tradicional pilcha, a la que vimos arder en una hoguera. Pero ojalá no suceda eso, porque si sucede, Milligan se habrá vuelto predecible. Y en el arco siguiente veremos a John perder... un ojo, y en el siguiente recuperarlo y perder... el encendedor, y así, hasta que pierda la chota y resulta que somos nosotros, los lectores, los que la tenemos adentro. Prefiero a Milligan caótico e impredecible. Para hacer boludeces obvias e intrascendentes lo tenía a Constantine en la Justice League Dark.
A todo esto, en Phantom Pains vuelve a brillar con luz propia Epiphany Greaves, quien a esta altura ya es –lejos- la mina más copada a la que se volteó John y probablemente el mejor personaje secundario aparecido en los casi 25 años que lleva esta serie. Inmenso mérito de un inmenso guionista que ojalá siga más allá del inminente n° 300.
Los dos unitarios que dibuja Simon “La Bestia” Bisley son uno más grosso que el otro. Son, casualmente, los episodios en los que Milligan retoma la ilustre tradición de meterse con temas socio-políticos urticantes, y darles un twist jodido y sobrenatural. Para el unitario que transcurre en la cárcel, además, el guionista retoma a Julian, el demonio que boleteó a Phoebe, la médica con la que salía John en Hooked (lo vimos en Enero de este año). En ambos episodios la Bestia abusa un poquito de los primeros planos, pero su trazo está tan inspirado y se ve todo tan bien, tan sórdido, tan escabroso, que no jode para nada. Porque además, cuando tiene que pelar, Bisley pela figuras enteras, fondos, secuencias de acción al palo, besos incandescentes y todo el gore que puede soportar un comic de Vertigo.
Dentro de la saga central, hay un episodio protagonizado por Gemma (la sobrina de John), en el que Giuseppe Camuncoli es reemplazado por Gael Bertrand, un dibujante francés muy, muy bueno, con un sólo problema: si Camuncoli se zarpa y dibuja a John con rasgos de un tipo de 30, Bertrand se va más al carajo y lo dibuja como si tuviera 23. En los capítulos restantes, Camuncoli mantiene arriba su nivel, con páginas y secuencias memorables, cada vez mejor ensamblado con el entintador Stefano Landini y la colorista Trish Mulvihill. Es muy loco cómo un dibujante con un trazo tan prolijo, tan claro, tan lindo, logra conjurar imágenes tan aterradoras, tan perturbadoras y tan truculentas.
El argumento de Phantom Pains... bah, creo que en realidad hay dos argumentos, los dos basados en cosas muy heavies que pasaron en el tomo anterior. Por un lado, John se propone recuperar el pulgar izquierdo, que él mismo se cortó cuando se volvió loco. Por el otro, Gemma va a buscar venganza contra su tío por una atrocidad que cometió... el gemelo diabólico de su tío. Y las líneas argumentales no se cruzan, eh? No hay una única resolución para ambos conflictos. Lo del dedo de John se resuelve... casi 45 páginas antes que lo de la venganza de Gemma, y por vías totalmente distintas. O sea que la consigna de Milligan para este tomo era volver para atrás dos sacudones bastante grossos que le había pegado a la serie en el tomo anterior.
Asimismo, y como parte del plot de la venganza de Gemma, en este tomo John pierde no una extremidad, pero casi: su mítico impermeable, ese que lo acompañó al Averno y más allá desde mediados de los ´80, cuando era un personaje secundario de Swamp Thing. Si esto sigue una lógica, en la próxima saga el ídolo se meterá en un kilombo marca Cañón para recuperar su tradicional pilcha, a la que vimos arder en una hoguera. Pero ojalá no suceda eso, porque si sucede, Milligan se habrá vuelto predecible. Y en el arco siguiente veremos a John perder... un ojo, y en el siguiente recuperarlo y perder... el encendedor, y así, hasta que pierda la chota y resulta que somos nosotros, los lectores, los que la tenemos adentro. Prefiero a Milligan caótico e impredecible. Para hacer boludeces obvias e intrascendentes lo tenía a Constantine en la Justice League Dark.
A todo esto, en Phantom Pains vuelve a brillar con luz propia Epiphany Greaves, quien a esta altura ya es –lejos- la mina más copada a la que se volteó John y probablemente el mejor personaje secundario aparecido en los casi 25 años que lleva esta serie. Inmenso mérito de un inmenso guionista que ojalá siga más allá del inminente n° 300.
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domingo, 16 de septiembre de 2012
16/ 09: LE MONDE DES NOMBREUX NOMS Vol.2
¿Lo qué?!? Esto vendría a llamarse “El mundo de muchos nombres”. Pero no te la compliques al pedo. Esto es la continuación de Hyter de Flok, una historieta de Carlos Trillo y Horacio Domingues que salió en Puertitas allá por 1991. Este libro se editó en Francia en 2001, pero realmente no sé si los autores tardaron 10 años en producir la secuela o si se hizo en los ´90 para Italia y mucho después se tradujeron ambos tomos al francés. Me inclino por lo segundo.
Por supuesto, a la hora de leer este tomo (titulado Aileen), no me acordaba un carajo del argumento de Hyter de Flok. Pero la lectura de la secuela me refrescó -más o menos- este concepto: Hyter es un muchachito de la época de los caballeros del Rey Arturo que, mediante unos cristales mágicos, logra ver el Siglo XX. Más precisamente los últimos años, y más precisamente a una chica, la sensual rock star llamada Aileen (una especie de Madonna de 18-19 años) de la que se enamora perdidamente. Me imagino que en la primera parte el personaje habrá superado varios obstáculos de distinta envergadura, pero el conflicto central es ese: Hyter quiere conocer personalmente a Aileen y declararle su amor.
El segundo tomo, por lo menos, se trata sólo de eso, no hay otras puntas argumentales fuertes. Al principio, parece cobrar importancia el subplot del fatídico romance entre el mago Merlín y la pérfida Vivianne. Para la página 16, sin embargo, ni Vivianne ni ningún otro personaje de la época del Rey Arturo tendrá la menor injerencia en la trama. La acción se transporta a una gran ciudad de los ´90, donde Hyter rápidamente se separa de Merlín y va en busca de su amada. Por supuesto, Trillo no se pierde la ocasión para bajar línea acerca de cómo representantes, padres y avechuchos varios explotan a las estrellas pop adolescentes. De hecho, el entorno de la propia Aileen será lo más parecido a un villano que tendremos en las 22 páginas finales.
Y si bien en esta bajada de línea hay bastante mala leche, esta es una obra del Trillo bueno, del Trillo correcto, que buscaba transmitir mensajes positivos y edificadores. No es apta para todo público porque hay un par de garches, pero básicamente es la historia de un chico que se hace héroe por amor a una chica. Nada que ver con otras crueldades, perversiones y atrocidades que firmaría el maestro en los años posteriores.
Me queda pendiente lo más importante: ¿está buena la historia? Sí, no está mal. Es un poquito blanda, para mi gusto. Tiene muy buen ritmo, está bien trabajado el contraste entre las dos épocas que visita, Merlín tiene unos diálogos magníficos que parecen citas de Jorge Luis Borges (y no me extrañaría que lo fueran)... no hay mayores obstáculos para disfrutarla de principio a fin. Por ahí lo que menos me convenció es cómo desactivan tan de golpe a todos los personajes del Siglo XII y a los conflictos (presentes y potenciales) entre ellos, después de haberlos desarrollado mucho y bien a lo largo de muchas páginas. Igual me entretuvo muy dignamente.
El dibujo de Domingues está muy bien, muy sólido. La primera saga, la que leí en Puertitas, obviamente la leí en blanco y negro. Acá el color levanta mucho toda la faz gráfica y le agrega onda al dibujo de Domingues. Acá está todo dibujado en un sólo estilo: no esperes secuencias en las que Domingues pele esas páginas alucinantes que vimos en Boggart o en La Marque du Peché. Y aún así, sin estallar, sin despegarse mucho de Carlos Meglia, el trazo de Domingues se la re-banca. La narrativa es impecable, cristalina y versátil y los personajes expresan (con la gestualidad facial y corporal) todo lo que el guión les pide, e incluso un poco más.
Si sos de esos cinco o seis que recuerdan haber leído Hyter de Flok en Puertitas, te va a gustar saber que hay una continuación inédita en nuestro idioma. Si sos fan de Trillo, ahí tenés una obra más que merece ser rescatada del olvido. Y si te copás con la fantasía medieval pero le pedís que suba la apuesta y ofrezca una variante más novedosa, menos predecible, esta saga te puede llegar a cebar muchísimo, porque tiene magia, épica y romance mezclados de un modo que seguro te va a sorprender.
Por supuesto, a la hora de leer este tomo (titulado Aileen), no me acordaba un carajo del argumento de Hyter de Flok. Pero la lectura de la secuela me refrescó -más o menos- este concepto: Hyter es un muchachito de la época de los caballeros del Rey Arturo que, mediante unos cristales mágicos, logra ver el Siglo XX. Más precisamente los últimos años, y más precisamente a una chica, la sensual rock star llamada Aileen (una especie de Madonna de 18-19 años) de la que se enamora perdidamente. Me imagino que en la primera parte el personaje habrá superado varios obstáculos de distinta envergadura, pero el conflicto central es ese: Hyter quiere conocer personalmente a Aileen y declararle su amor.
El segundo tomo, por lo menos, se trata sólo de eso, no hay otras puntas argumentales fuertes. Al principio, parece cobrar importancia el subplot del fatídico romance entre el mago Merlín y la pérfida Vivianne. Para la página 16, sin embargo, ni Vivianne ni ningún otro personaje de la época del Rey Arturo tendrá la menor injerencia en la trama. La acción se transporta a una gran ciudad de los ´90, donde Hyter rápidamente se separa de Merlín y va en busca de su amada. Por supuesto, Trillo no se pierde la ocasión para bajar línea acerca de cómo representantes, padres y avechuchos varios explotan a las estrellas pop adolescentes. De hecho, el entorno de la propia Aileen será lo más parecido a un villano que tendremos en las 22 páginas finales.
Y si bien en esta bajada de línea hay bastante mala leche, esta es una obra del Trillo bueno, del Trillo correcto, que buscaba transmitir mensajes positivos y edificadores. No es apta para todo público porque hay un par de garches, pero básicamente es la historia de un chico que se hace héroe por amor a una chica. Nada que ver con otras crueldades, perversiones y atrocidades que firmaría el maestro en los años posteriores.
Me queda pendiente lo más importante: ¿está buena la historia? Sí, no está mal. Es un poquito blanda, para mi gusto. Tiene muy buen ritmo, está bien trabajado el contraste entre las dos épocas que visita, Merlín tiene unos diálogos magníficos que parecen citas de Jorge Luis Borges (y no me extrañaría que lo fueran)... no hay mayores obstáculos para disfrutarla de principio a fin. Por ahí lo que menos me convenció es cómo desactivan tan de golpe a todos los personajes del Siglo XII y a los conflictos (presentes y potenciales) entre ellos, después de haberlos desarrollado mucho y bien a lo largo de muchas páginas. Igual me entretuvo muy dignamente.
El dibujo de Domingues está muy bien, muy sólido. La primera saga, la que leí en Puertitas, obviamente la leí en blanco y negro. Acá el color levanta mucho toda la faz gráfica y le agrega onda al dibujo de Domingues. Acá está todo dibujado en un sólo estilo: no esperes secuencias en las que Domingues pele esas páginas alucinantes que vimos en Boggart o en La Marque du Peché. Y aún así, sin estallar, sin despegarse mucho de Carlos Meglia, el trazo de Domingues se la re-banca. La narrativa es impecable, cristalina y versátil y los personajes expresan (con la gestualidad facial y corporal) todo lo que el guión les pide, e incluso un poco más.
Si sos de esos cinco o seis que recuerdan haber leído Hyter de Flok en Puertitas, te va a gustar saber que hay una continuación inédita en nuestro idioma. Si sos fan de Trillo, ahí tenés una obra más que merece ser rescatada del olvido. Y si te copás con la fantasía medieval pero le pedís que suba la apuesta y ofrezca una variante más novedosa, menos predecible, esta saga te puede llegar a cebar muchísimo, porque tiene magia, épica y romance mezclados de un modo que seguro te va a sorprender.
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